Euterpe Desmelenada

Aion - Absolute (1994)

2011-05-14T06:07:00.008+02:00

A heavy wonder. Romantic cries, warrior fire, urban rock, sticky-sweet moments followed by raging horse rides. Aion is a band starting on '83, one of the most influential (as far as I know at least) on the visual kei Japanese scene. And if not, so they deserve since among so many visual kei bands (maybe the music genre producing more bands... er... Or is it maybe that so many bands produce the music genre?) there are a lot of good ones, but being a so performed style some repetition, even some incompetence is fatally expected.

Not to metion Western glam-metal. Consider at that time Twisted Sisters were already on the scene, not that I don't like them since they were a decent band, but compared to these boys they seem some clumsy smalltown drag-queens.

What delights me is what I consider that typically Japanese disctintive feature: going for it all. Putting tons of energy on each note and at the same time caring about the details, being refined. Neither pretty doll voice nor dumb bawling, just top both power and quality. The band all is wildly precise, spontaneously sophisticated.

Now some curious proof that the artist is in the game, in the details and chumming up with the kinky music-lover listener that likes to taste each note. Here I'll propose some game: before carrying on with this post, listen to Aita, the fifth track. Something funny is lurking on that song and the challenge is to notice it.

OK now? I warn you the spoiler comes: in 1:54 the riding slows down to start an instrumental passage, then the drums speed up galloping again and the guitar solo starts. Strings seem kind of gooey (many Japanese guitar players can be noticed by some disctintive sound touch, performed with an always careful technique) but flawlessly rocker, powerful, ultra-speedy, hipnotic... So hipnotic the naughty guy decides to play a prank: pay full attention from 2:42 on, the guitar performs the notes of... Mickey Mouse Club March!

It's just a seven seconds glimpse, until 2:49. He hides and twists the notes almost out of shape, but after careful listen it's unmistakeble. I swear I'm not crazy, please check it, that's phukin' Mickey Mouse March chorus! He plays the complete verse and in the end wraps the last note into a psychedelic spiral to drift again into rock'n'roll.

I know, maybe all this is foolish; but probably foolishness delights me. The hell of an album; metal lovers should not skip it, neither those free of prejudice, ready to enjoy voice and instruments listeners.

(as for several others, credit for this discovery should be given to www.voodovault.blogspot.com, a fantastic cultural project)

-o-

Maravillosidad heavy. Alaridos románticos, ardor guerrero, rock urbano, momentos melosos seguidos de cabalgatas furiosas. Aion es una banda que comenzó en el '83, una de las más influyentes (dicen, qué se yo) de la escena visual kei japonesa. Y si no lo fueran merecerían serlo porque entre las numerosas bandas visual kei (debe ser el género que en Japón produce más bandas... mmmhhh... ¿o son muchas las bandas que producen el género?) hay muchas muy buenas, pero siendo un estilo tan concurrido es inevitable algo de repetición y también de ineptitud, admitamos.

Esto para no hablar del glam-metal occidental. Pensemos que para esa época ya tocaba Twisted Sisters, y no es que uno tenga nada contra ellos, eran una banda decente, pero en la comparación con estos nenes parecen unas desmañadas drag queens de pueblo chico.

Lo que me gusta es eso que me parece tan japonés: ir por todo. Dejarse la vida en cada nota y al mismo tiempo practicar el detalle, ser exquisito. Nada de cantar como una muñequita, ni de pegar berridos bobetas, no: al mango y con calidad. Toda la banda es salvajemente precisa, espontáneamente sofisticada.

Ahora veamos algo curioso que prueba que el artista está en el juego, en el detalle y la complicidad con el melómano que escucha perversamente cada nota. Propongo un juego: antes de seguir leyendo escuchar el quinto tema, Aita. Hay algo gracioso oculto en ese tema y la idea es notarlo.

¿Ya está? Ojo que aquí viene el spoiler: en el momento 1:54 la cabalgata desacelera para dar lugar a una parte instrumental, la batería toma carrera, galopa e introduce el solo de guitarra. Las cuerdas suenan un poco "gomosas" (muchos guitarristas japoneses le dan a su sonido un toque propio, dentro de una técnica siempre cuidada) pero el solo es impecablemente rockero, poderoso, velocísimo, hipnótico... Tan hipnótico que el guacho del guitarrista se decide a hacer una broma: presten atención justo en el momento 2:42, la guitarra ejecuta las notas de... ¡la marcha del Club de Mickey Mouse!

Es un mero destello de siete segundos, hasta 2:49. Esconde las notas, las retuerce y deforma, pero si se escucha con atención es clarísimo. Juro que no estoy loco, sugiero comprobarlo ¡Es el estribillo de la phuckin' marcha de Mickey Mouse! Hace la estrofita completa y envuelve la nota final en una espiral psicodélica para escapar de nuevo hacia el rock.

Ustedes me dirán que es una tontería, y es que probablemente tonterías así me maravillen. Un álbum de puta madre, amantes del metal no pueden pasarlo por alto y gente libre de prejuicios, con oído para la voz y los instrumentos tampoco.

Banda: Aion
Album: Absolute
Año: 1994

01 - Anguished Heroes
02 - Elegant Fear
03 - Last Serenade
04 - The Body Inside
05 - Astia
06 - Still
07 - High Flying Shadow
08 - Missing
09 - Demoniac Insanity
10 - Peter (The Seventh Movement Of Eternity)

(como muchos álbumes, el descubrimiento de este se agradece a voodoovault.blogspot.com, a esta altura un proyecto cultural fantástico)

Gal Costa - Gal - 1969

2011-04-06T17:23:00.004+02:00

If it hadn't that beautiful cover art, so sixties and tropicalist, I would believe this album was recorded yesterday.

Second Gal Costa solo album (don't confuse it with the first: Gal Costa), and according to what my ears say to my brain, her best. It's a pity she did not pursue this way, being the rest of her career developed in a somehow more conventional style; not bad at all since she's a superb singer, but a little bit too predictable to my taste.

Not this album though. Her voice here fantastically wanders around: she screams, uses high-pitch magical falsetto and explodes in an almost punk joy (in 1969!), but always in a perfect synchronicity with exquisite psychedelic arrangements, overlapped rythms, fine electronic experimental textures and that crazy creative mood that makes this album become what I call "a japanese album", one that can perfectly match the standard set by modern Japanese musicians.

Here you'll find arab sounds, metallic riffs, three-dimensional atmospheres with hypnotic echoes and curiously just a little or nothing of the predictable sixties' psy sound; everything is craftily refurbished so that this album becomes timeless. Maybe this is Rogerio Duprat's touch, a Brazilian musician who pioneered in computer and electronic sounds, one of the tropicalist gurus along with Caetano Veloso and Gal Costa herself, who wiped out the boundaries between the labels "cultured" and "popular" music.

I wouldn't recommend this to those Gal Costa's more known songs followers, it gives not (and I repeat I deem it a pity) an idea of her global style. But surprisingly, if you like for instance one of those Boredoms' parallel projects (Grind Orchestra, Z-Rock Hawaii or wacky things like those) then surely you wouldn't think an early sixties tropicalist album would bear any resemblance... Well: it does.

Swallow it with a sip of caipirinha anyway!

Si no fuera por el bello arte de tapa, bien sesentero y tropicalista me creería que este álbum -de 1969- fue grabado ayer.

Segundo álbum de Gal Costa como solista -no confundir con el primero Gal Costa- y según lo que mis oídos le transmiten a mi cerebro, el mejor. Es una pena que el resto de la carrera de Gal Costa se haya decantado por un estilo que no está nada mal ya que es una soberbia cantante, pero para mí gusto un poco demasiado convencional.

Este álbum no. Gal Costa aquí hace unos paseos vocales fantásticos: grita, chilla, usa falsetes mágicos y explota con una furiosa alegría casi punk (¡en 1969!), pero en perfecta sincronía con unos arreglos psicodélicos exquisitos, superposiciones rítmicas, experimentación electrónica fina y una creatividad que hacen de este álbum lo que llamo "un álbum japonés", a la altura del mejor standard que para mí han establecido los músicos japoneses contemporáneos.

Hay sonidos árabes, riffs metaleros, atmósferas tridimensionales con ecos hipnóticos, y curiosamente muy poco o nada de lo que uno esperaría de la psicodelia sesentera original, todo está tan reelaborado como para que este disco no tenga realmente época. Posiblemente se trate del toque dado por Rogerio Duprat, un brasileño pionero en la música electrónica, gurú del tropicalismo brasileño junto a Caetano y la propia Gal Costa; quien demostró que las definiciones "música culta" y "música popular" realmente no significan demasiado.

No lo recomendaría para quienes deseasen el "sonido Gal Costa" más conocido; no da -y repito que para mí es una lástima- una idea global de su estilo. Pero sorprendentemente, si a Ud. le gusta por ejemplo alguno de esos proyectos paralelos de los Boredoms (Grind Orchestra, Z-Rock Hawaii o chifladuras por el estilo) seguramente no pensará que uno de los primeros álbumes de una cantante brasileña tropicalista en los '60 pueda ser algo comparable... Bueno: es.

De todos modos, empújeselo con una caipira.

Gal Costa - Gal - 1969

1. Cinema Olympia
2. Tuareg
3. Cultura E Civilização
4. País Tropical
5. Meu Nome É Gal
6. Com Medo, Com Pedro
7. The Empty Boat
8. Objeto Sim, Objeto Não
9. Pulsars E Quasars

Sumo - Obras Cumbres (2001)

2011-03-24T18:39:00.010+01:00

Bueno, este post va en inglés, porque en Argentina ¿quién no los conoce?

Talking about Sumo is impossible without mentioning its leader (though I think he would rather not like that term): Luca Prodan. Luca was born in Italy, with a mix of Scottish, Turkish, Italian and Austrian ascendance. He wandered around many countries and situations, coming from a very wealthy family, passing by a very posh school in England, rubbing elbows with "important" people (such as prince Charles), and finally getting sick of it all and arriving to Argentina in the middle '70s, flying from his addiction to heroin, as he many times pointed out.

In the '80s some crazy band started to perform gigs at several underground pubs in Buenos Aires and nearbies. It was a time of regained freedom for underground culture after eight years of brutal military dictatorship, so young people were in the search of new sounds. But as most of the pop & rock music came from outside, we Argentinians developped some kind of stupid prejudice towards the music made by local bands, rating it as a mere copy of foreign rock & pop. It would be true in many cases... but not in this one. Curiously, Sumo was not a typical "Argentinian rock" band, Luca laughed at the rock nacional label, full of pretentious and boring "geniuses".

Sumo was an incredible band, performing a colorful palette of sounds: reggae, rock, punk, blues, ska, disco, new wave and also many experimental songs, all with Luca's distinctive charisma. He brought all his experiences in the '70s alternative British music scene and fueled the band with them.

Some stiffy necks stated Luca did not sing well, that he was a mere junkie drunkard set out to scare old ladies with his bald head and loud voice. Sad lack of musical sensitivity in my humble opinion. Listen to Sumo and you will hear a lot of musical styles performed by a precise and talented set of musicians, multiple rythms full of energy as well as cool atmospheres, and Luca's expressive voice singing in English or Spanish (with a funny Italian accent) lyrics full of edgy irony, delirious humor sense and sheer perception.

Many of Sumo's songs became hits in Argentinian FMs, and were danced all accross the country since they are no less than smashing songs. Their first hit was La Rubia Tarada (The Stupid Blonde) which surely will make your head nod and nod and nod; followed by other remembered songs like Debede, with its furious "disco baby disco" chorus, or Los Viejos Vinagres (you may translate it as Cranky Old Men). But I personally prefer some other songs, like Estallando desde el Océano (Bursting Out of the Ocean), a catchy surrealistic road rock fantasy growing into an anthem that always makes me want to go full speed with a car "down in the pampas". Or Hello Frank, try to listen to that without a grin.

Sometimes Sumo becomes plainly experimental: Cinco Magníficos is a song that gives voice to different characters, Argentinian inhabitants, who talk about themselves in an odd atmosphere... you can perceive some avant-gardish hue there; or Abasto, a dreamy song describing (the best description you may ever get) a morning in the popular Buenos Aires' Abasto quarter. Or Banderitas y Globos (Little Flags and Balloons), a kind of delirious trip with wonderfully uncomfortable scales. You also will perceive the typical eighties' dreamy echoing saxo sound, oi ska, furious punk, catchy blues, all wonderfully mixed.

Luca died in 1987, a shitty day since he was not only a talented, sensitive and intelligent artist, but also and more important -I barely saw him personally, but a lot of people knew him and the opinion is unanimous- a good guy. Despite his skinhead looks he was all the contrary, and being a foreigner he expressed glimpses of Buenos Aires in a way few native people did.

So here we have a big compilation of songs that Sumo performed during the '80 in Argentina, including hits as well as some never issued material. This is my way of spreading the word about SUMO, enjoy it!

Obras Cumbres:

CD 1:

01 Heroina
02 La Rubia Tarada
03 Mula Plateada
04 No Acabes
05 Regtest
06 El Reggae De Paz Y Amor
07 Debede
08 Mejor No Hablar De Ciertas Cosas
09 Divididos Por La Felicidad
10 No Duermas Mas
11 Kaya
12 Fiebre
13 Cuerdas, Gargantas Y Cables
14 Cinco Magnificos
15 Estallando Desde El Oceano
16 T.V. Caliente
17 El Ojo Blindado
18 Fuck You

CD 2:

01 Los Viejos Vinagres
02 Nextweek
03 No Good
04 Que Me Pisen
05 Aqui Vienen Los Blue Jeans
06 Ni Mas Nada
07 Crua-Chan
08 No Tan Distintos (1989)
09 Banderitas Y Globos
10 Mañana En El Abasto
11 Hola Frank
12 Ojos De Terciopelo
13 Lo Quiero Ya
14 La Gota En El Ojo
15 El Cieguito Volador
16 No Te Pongas Azul
17 Brilla Tu Luz Para Mi
18 Callate Mark
19 Años
20 Noche De Paz

日本頑張ってください - Nihon gambatte kudasai!

2011-03-20T19:09:00.004+01:00

Bajamos seguramente mucha música hecha en Japón. Si eso sirvió de algo (quiero decir: aprender a apreciar lo que hacen otros seres humanos, disfrutar del hecho de compartir arte, pasar buenos momentos gracias a eso, etc. y etc.) entonces podemos demostrar lo útil que es contar con una internet libre y neutral.

Esto significa que compartamos cosas con desinterés; sin mediar la estúpida, fastidiosa, egoísta y artísticamente irrelevante cuestión del comercio. Gracias a internet nos ha llegado mucho de lo que se hace allí, y este blog es sólo un paupérrimo ejemplo.

Ahora podemos demostrar que funciona también a la inversa: podemos desinteresadamente, por el sólo hecho de que nos duele lo que allí ocurre y sin esperar que nos den nada a cambio, utilizar este medio para devolver algo en un momento en el que realmente lo necesitan.

Y de paso, cerrar la boca de esos mercaderes imbéciles que quieren convertir internet en un mero shopping, en el que absolutamente todo se compre y se venda para que se forren unos inútiles cuya única función es ser "dueños" de cosas que no hacen.

Este sitio me lo ha señalado gente de Japón como confiable.

http://members.canpan.info/kikin/products/detail.php?product_id=1080

Por supuesto, otras organizaciones como la Cruz Roja esperan que demos algo, y gracias a este medio podemos hacerlo con relativamente poco esfuerzo.

La mayoría de los habitantes del mundo no somos millonarios, pero espero que sí seamos generosos e inteligentes: ayudar al prójimo es en buena medida ayudarse a sí mismo.

Gracias :)

Salon Music - La Paloma Show - 1984

2011-03-12T08:56:00.008+01:00

Es imposible que no gusten, he dicho. Un ejemplo de elegancia naïve muy japonesa. Que yo sepa sólo Japón puede hacer del kitsch algo fuera de la menor connotación irónica.

Salon Music, un dueto chico / chica: Yoshida Jin y Takenaka Hitomi. Este es su primer álbum, que sería seguido por varios otros, todos muy disfrutables, pero mucho. Sólo que este... creo que es especial. No sé si "mejor" que los que lo siguieron, pero me parece que todos los demás (entre los cuales están Topless - 1985, Psychic Ball - 1990, Kelly's Duck - 1997, Girls at our Tratt's Best! - 1998 y New World Record - 2002) son más brillantes, más electrónicos... y este en cambio es mucho más modesto, tiene una extraña pátina vintage que lo hace a mis oídos (no) paradójicamente más raro, más interesante.

Creo que ha sido co-producido por el tercer Yellow Magic Orchestra (junto con Ryuichi Sakamoto y Haruomi Hosono) Yukihiro Takahashi.

Se apoya en dos pequeños éxitos: Paradise Lost (aseguro que queda pegado al cerebro, pero agradabilísimamente pegado) y el maravilloso Voice From Tangier. Como en la reedición de 1993 de este mismo álbum, aquí hay dos versiones remix de dichos temas al final del mismo.

Es un álbum pop, pero con todas las virtudes y ninguno de los defectos habituales del pop. Es muy fácil de escuchar, canciones que podrían ser clásicos, pero al mismo tiempo no se parece a ningún grupo. Engancha el oído con toda facilidad, pero no es ramplón. Es sofisticado pero en lo más mínimo pretencioso.

Para tímpanos que quieren ser bien tratados.

Grupo: Salon Music
Album: La Paloma Show
Año: 1984

1. Voyager Of The Beagle
2. Awaiting Manana
3. Bitter Spring
4. Moving On
5. Voice From Tangier
6. Behind My Picture
7. See Emily Play
8. Past Glories
9. Paradise Lost
10. Voice From Tangier -Voiceless Mix-
11. Paradise Lost (Bikini Mix)

Ikuko Kawai (川井郁子) - Violin Muse - 2001

2011-03-08T23:06:00.006+01:00

Ikuko Kawai (川井郁子) nació en 1968, es violinista y compositora, y tiene una extensa carrera con varios discos publicados.

Como siempre es divertido analizar las etiquetas de género que reciben ciertos artistas, vamos a hacerlo: la más desafortunada quizás sea la de "new age", que a mí me espantaría; supongo que se debe a que integra elementos de las llamadas músicas "étnicas" (¿?), como ciertos aires piazzoleros y guitarras españolas. Otras etiquetas son "pop/cross violin", "neoclásico", "world/clásico contemporáneo" y así... Sé que se ha mandado una versión de El Choclo por ejemplo, y el álbum que presentamos tiene un par de pasajes que te sentís en Corrientes y Esmeralda.

Pero ver la lista de temas puede engañar y hacernos pensar que se trata de meras interpretaciones de lo existente, y juro que no. Sin ir más lejos Summer Storm está basada en las famosas 4 estaciones de Vivaldi, pero Ikuko Kawai participó en los arreglos, que incluyen un sorprendente ritmo que varía entre el jazz y floreos criollos de guitarra que se me escapan; La Festa Capricciosa está basada en La Campanella de Paganini pero con fusiones sutiles... En general todo está refundado, mezclado de modos deliciosos sin sonar para nada extravagante.

Sin tener ni idea de cómo se debe tocar un violín, me arriesgo a decir que toca de manera precisa y a la vez sentimental y que tiene un gusto musical hipnotizante. No tengo ni idea de lo que opinaría un purista, pero como no lo soy, escucho y fumo.

Album: Violin Muse
Año: 2001
Temas:

01 Violin Muse
02 Summer Storm
03 Milonga Triste
04 Eternally
05 Crimson Rhapsody
06 A Tale Of Aphrodite
07 La Festa Capricciosa
08 El Flamenco
09 Luna De Tarragona
10 Cobalt Moon
09 Luna De Tarragona
10 Cobalt Moon

Bark Psychosis - Hex (1994)

2011-03-05T19:41:00.005+01:00

Sin duda se habrá oído hablar del famoso post-rock, un género del que al menos yo no tengo una idea clara de qué significa (lo que no es raro ya que mi ignorancia es eniclopédica); diríase que es ese estilo que incorpora elementos del rock, pero que ya no es rock... Tampoco es una definición demasiado sofisticada, pero es que no se me ocurre otra.

Dentro del post-rock hay para mi gusto muchas bandas buenas generalmente poco conocidas: los brasileños Mamparra y su excelente Perdeu a Lingua, los japoneses Sgt y su álbum Stylus Fantasticus, etc. Por otra parte hay bandas mucho más conocidas pero mucho más flojitas, como los chirles Sigur Ros. Esto quizás haga que generalmente se vea al género como pretencioso e inepto, tanto como para que en cierto blog haya visto la etiqueta post rock that doesn't suck. Y es que el género nunca tiene la culpa; veamos...

¿Quién inventó el post-rock? Podemos usar ese verbo porque en este caso tenemos un antecedente. Un buen día de 1994 el crítico Simon Reynolds acuñó el término en una nota para Mojo refiriéndose principalmente a la banda que nos ocupa: Bark Psychosis.

Van a encontrar una muy buena reseña de la banda aquí. Tal como señala el artículo de la Wiki, estos británicos que comenzaron en 1986 han interpretado toda clase de estilos de manera muy disfrutable y versátil; también han sufrido muchos cambios en su formación, básicamente inestable. Su líder Graham Sutton declaró una sana intención artística:

Estar en esta banda es nunca repetirse. Siempre intenté sorprenderme a mí mismo y a los demás, jodiendo los preconceptos de la gente respecto de lo que hago y todo eso. Me encanta dar una impresión equivocada. O retorcer las cosas. Como por ejemplo sonar dulce al principio pero no serlo, o viceversa.

Pero lo más fascinante, lo más personal que han hecho fue quizás su álbum debut, que presentamos aquí: Hex. Es lo que mejor representa ese estilo atmosférico, etéreo, espacial-acústico. Las atmósferas de este álbum tienen espacio, un volumen indefinido y bellamente abstracto, pero nada frío o pretencioso. La diferencia quizás esté como siempre en detalles mínimos pero fundamentales: una avalancha de bandas posteriores intentó imitar ese efecto sin el menor éxito, porque entre otras cosas usaban sintetizadores... mientras que lo que hacía Bark Psychosis era conseguirse una iglesia vacía y tocar allí, el sonido resultante es muy bello.

El estilo de Hex es por lo tanto inclasificable. Tiene un sabor vagamente progresivo, por lo que muchos enojaron a Sutton comparando a la banda con Pink Floyd. La comparación no es necesariamente insostenible, algún fugaz tinte pinkfloydesco puede adivinarse en algunos pasajes (y al fin y al cabo Pink Floyd era una muy buena banda), pero el sonido Bark Psychosis es definitivamente otra cosa.

Siguiendo con este álbum, la voz es mínima pero emotiva, el piano es delicadísimo, los platillos sisean, hay algunas intervenciones de vientos... Pero las notas son largas, se toman su tiempo para llenar el espacio. A veces resbalan abruptamente o se mezclan con algún chirrido eléctrico, y entonces ese espacio sufre ondulaciones y distorsiones, pero siempre sutiles. Por eso también puede tener un cierto color grunge, como pequeños agujeros por los a veces asomara la cabeza Nirvana, lo que además evita que sea demasiado meloso y mantiene ese no se qué de intrigante que lo hace disfrutable.

En definitiva, Hex es una gema, extraño y bello. Quizás este tipo de sonido gana mucho con un equipo de audio bueno, pero he descubierto que unos buenos auriculares pueden ser también muy efectivos. Es un sonido perfectamente fumable, poco rítmico, no es para una fiesta sino para pensar y pensar y pensar...

Miharu Koshi - Corset (2003)

2011-02-27T19:21:00.005+01:00

Observen a esta mujer ¿Cuántas pueden llevar ese atuendo cabaretero-saloon con gracia? ¡Y el stetson! Es casi imposible que no quede siempre un poco tosco, un poco aburrido; y sin embargo allí está Miharu Koshi, que de ella se trata, posando con todo el desparpajo. Nada de recato, mirada bien al frente, brazos (exquisitos) en jarra y boquita fruncida. Nada nuevo y sin embargo...

En occidente a una mujer le basta con ser bonita, y ni siquiera: con sólo ser llamativa ya parece que no necesita saber cantar, ni tocar, ni componer, ni producir, ni moverse más que sinuosamente. No es por nada pero luego de ver a Miharu Koshi, Lady Gaga es un boceto más bien torpe.

¿Música pop? Quizás... a esta altura no lo tengo muy claro. Hay arreglos electrónicos, sí, pero hay mucho más que eso. Parece que a Japón hay que ir a buscar todo ¿chanson? Japón ¿jazz europeo? Japón ¿Folk? Japón. Me van a diculpar la insistente nipofilia pero me parece que está sólidamente sustentada.

Miharu Koshi tiene una formación musical impresionante, una voz angélica, una creatividad múltiple y la audacia necesaria y justa. De su discografía elijo este álbum pero ha compuesto muchos. Y digo "compuesto" porque no es una muñequita que se limite a cantar, su participación en la composición, arreglo y producción es predominante cuando no exclusiva.

Me parece que en occidente tenemos un vicio bastante tonto, que es el de suponer que la belleza carece de profundidad, que la belleza física tiene necesariamente que ir en menoscabo del talento. En Japón van, como dicen los españoles, "a por todo", ¿y por qué no?

Así que ¿mujeres con talento? Japón. Y no es que en occidente no las haya, pero me parece que es en Japón donde hay más artistas mujeres que varones llevando el arte -al menos el musical- siempre un poco más allá. Quien piense que las mujeres no tienen talento creativo, que sólo sirven para ser bonitas, que escuche lo que compone Miharu Koshi y aprenda algo. Y quien piense que una mujer talentosa no puede tener una figura deliciosa, que mire dos veces.

Me dan ganas de tener yo mismo un stetson y un revólver pesado. Uno para sacármelo y el otro para pegar un par de tiros al aire, pegar un alarido bien redneck y que Miharu san me mire con cierta condescendencia... y un poco de curiosidad también. Me daría por satisfecho.

Qué mentiroso que soy.

Buenas tardes.

Death March Kantai - Tengoku to Jigoku ~ Ai to Shinjitsu no Jibakudan (2000)

2011-02-22T19:13:00.006+01:00

Justo después del último álbum habría que escuchar este; ambos están en el mismo nivel de excelencia pero en extremos opuestos.

"Kantai" significa "armada" en japonés, y el título del disco podría ser algo así como "Paraíso e Infierno ~ Amor y Realidad Suicida". Y a pesar de lo denso del título y la tapa ciertamente inquietante, es un recital divertidísimo.

Hay un género llamado "rustic", no me pregunten quién lo inventó pero se trata de grupos (japoneses que yo sepa, o al menos la enorme mayoría) que se dedican a hacer música campesina, no urbana, folk, etc. Así el mismo grupo toca country, boogie jazz, klezmer, gipsy, circense, irish folk y dale y dale. Mezclan todo y sale... rustic.

Bueno, esta banda mezcla rustic con... heavy metal. La manera como amagan un riff satánico para terminar en la marcha del elefantito es divina. Arrancan con el Can-Can de toda la vida pero con guitarras bien duras, se mandan una bestiada de fusión acid folk-marylin manson-canto alpino suizo (sic, Yoodei ga Yooderu, escuchen si no) y ya en pleno delirio cantan tradicional hebreo como si estuvieran en Villa Crespo*.

Ritmo no le falta. Sugiero ponerlo en alguna fiesta, sin que nadie se dé mucha cuenta, a ver si alguien empieza a poner caras raras o todo el mundo se pone a bailar.

Capos totales.

*Uno de los barrios tradicionales de la clase media de origen judío en Buenos Aires.

Yoeko Kurahashi - Tadaima (2005)

2011-02-21T07:55:00.007+01:00

Lo bien que canta esta chica las muchas cosas que canta (¡qué mal que me salen las frases!); es que la estoy escuchando y tiene un repertorio variado, una voz a la vez sobria, potente, delicada y hasta un poco juguetona. Una voz rara también, experimental, con algunos falsetes nasales que vagamente recuerdan a Yoshie Nakano, de Ego Wrappin'; el repertorio quizás también recuerda al mejor Ego Wrappin', lo que no es en lo más mínimo un demérito.

¿El repertorio dije? En principio hay meandros jazzeros, algo de rock, hasta algún floreo de tango muy estilizado (Scenario), un pop sofisticado que recuerda al Kayouyoku (al que podríamos llamar antecesor del moderno J-Pop), moderno J-Pop, estemmm... No sé, tampoco se trata exactamente de tocar esto y después aquello. Hay algo más que transforma todo, y me parece que es el talento.

De todas formas sí se ve con este trabajo y muchos otros que los japoneses reinventan todo y desarrollan géneros que han sido olvidados por la cultura occidental. Fieles al espíritu nipón, hacen todo mejor.

Y si no me creen, imaginen este tipo de música hecha por una banda occidental, y se darán cuenta de que nosotros somos incapaces -al menos hasta el momento- de revivir esos géneros con una mínima eficacia. Una banda occidental intenta hacer algo de esto y es un empelote.

Lo que demuestran los buenos artistas es que para ser experimental hay que dominar los registros clásicos; es la magia de recorrer caminos conocidos y de pronto llegar a sitios desconocidos. Y otro detalle en este álbum, que distingue al artista del blabloide, es la absoluta falta de pretensiones, una modestia imperceptible que llega a las nubes por la fuerza del talento y la audacia.

Nosotros tuvimos que conformarnos con Fabiana Cantilo ¿se acuerdan?

Loquitos peligrosos (saqueo desvergonzado)

2011-01-16T07:50:00.004+01:00

Esto es un ejercicio de fiaca, pero el resultado es igualmente beneficioso. Primero vayan aquí, y observen detenidamente ese arte de tapa: un poco vintage, bastante macabro, loquito, mono, tóxico; así es el visual kei. Hay cualquier cantidad de bandas visual kei, pero muchas. Algunas muy extrañas como Shilfee and Tulipcorobockles, otros muy toxicandy como Aicle, por este desordenado blog mencionamos a Anachro Clock. Los peores visual kei pueden ser repetitivos, previsibles; los mejores pueden dar miedo. Este es de esos.

De paso: en ese blog bájense cualquier cosa que encuentren, recórranlo y explórenlo que vale la pena, me parece imposible que alguien no encuentre algo que le guste.

Luego de echarle un vistazo, vayan aquí y no dejen nada, pero especialmente Doumyaku, que lo estoy escuchando y pone los pelos de punta. Tampoco perderse Favorite Song, una maravilla de cancioncita llena de optimismo y de bisturíes.

Los dejo que tengo que seguir dibujando.

PD: Esto no podía faltar:

http://www.suicideali.com/pc/index_e.html vean cómo juegan al ajedrez, qué mononos.

Expo (エキスポ) - Expo no Bankoku Daisenrayku (エキスポの万国大戦略) (1987)

2011-01-06T18:19:00.010+01:00

Uno de esos álbumes que escucho y vuelvo a escuchar, catalogado entre los requetebuenísimos. Expo fue una banda japonesa de los '80, pero recomendaría no atenerse mucho a este dato ya que lo que hacen es intemporal.

Sé muy poco acerca de estos tipos, sólo que son dos músicos (el álbum presenta a muchos más, pero no tengo idea si serán ellos mismos o invitados): Suguru Yamaguchi y Kimitaka Matsumae. De éste último sé que participó en la composición de bandas de sonido para juegos y/o películas además de haber lanzado un set de cuatro CDs como solista (Anata wa Kitsune) en los que derrocha una demencia que hace parecer a Frank Zappa tan excéntrico como Kenny Rogers. Ambos tocaron (no sé si aún lo harán) en la imperdible banda japonesa Hi-Posi, a la que debo una reseña, pero si encuentran Body Meets Sing verán de qué estoy hablando.

Este albumcito presenta a una banda que mezcla estilos y temas totalmente inusuales: hay pasajes neoclásicos, rock progresivo (en los 80!), soniditos MIDI (jamás pensé que se pudiera hacer nada decente con MIDI), jazz... cualquier cosa. Y todo unido con costura invisible, porque el todo suena coherente, establece una complicidad inmediata con el oyente.

Cierto elegante sentido del humor unido al virtuosismo instrumental recuerda un poco a Les Luthiers, sobre todo en la presentación de los músicos, que es imperdible. Me fascinan los "tropezones" rítmicos, esa manera de enganchar al oído y enseguida dejarlo suspendido a la espera de conclusiones que no llegan, o llegan tarde, o abren puertas a otros senderos pero sin abandonar la idea original... La sensación es la de estar escuchando música de otro planeta, o en un sueño. En ese sentido se parecen un poco a Tipographica (si no los conocen, búsquense por ahí God Says I Can't Dance o Floating Opera), pero más elegantes si cabe, e igual de locos.

Vuelvo a escuchar este disco una y otra vez y confirmo que es una joyita. Si lo ven no lo dejen escapar porque, ejem, es casi un incunable, ejem ejem. Estoy seguro de que pocos blogs lo tienen, ejem, ninguno en castellano, ejem.

Y un comentario para ejemplificar los alcances de una palabra demasiado usada: luego de escuchar esto ¿cuántas veces más oiremos decir que Charly García es un "genio"?

Grupo: Expo (エキスポ)
Album: Expo no Bankoku Daisenrayku (エキスポの万国大戦略) Traducción: algo así como "La estrategia mundial de Expo"
Año: 1987

01 - Tengoku no Hawaii
02 - Akachan Konkuru
04 - Roujin yo, Ijou Hanaika
05 - Raihin Gakudan
06 - Expo Hakase no Gyaku Rokoko Sakusen ~ Opening
07 - Jinkoushiba
08 - Expo Hakase no Gyaku Rokoko Sakusen ~ Fanfare
09 - Kigyou no Ousama
10 - Akachan Konkuru (PSG hen)
11 - Zoku Kigyou no Ousama
12 - Koi no Hotline
13 - Ijin no Aku Takurami
14 - Houdou Gakudan

Nobodyknows+ - Vulgarhythm (2007)

2010-12-24T19:49:00.008+01:00

Bueno, para Navidad y fin de año, fiesta.

La palabra "vulgar" tiene dos caras, puede ser falta de originalidad, seguimiento servil de lo que hacen otros, el más atrasado sentido común o simple pereza. Pero también puede ser eso que surge del pueblo, de su creatividad, de lo que se le ocurre hacer a uno con ganas de divertirse.

A mí no me gusta ni lo popular ni lo no-popular, no me parece un criterio. Tanto en la música más espontáneamente popular como en la más rebuscadamente elaborada hay cosas que me gustan y no. Por ejemplo...

Si escuchan este disco pensarán en Coolio, y aún en Ricky Martin, que dicho sea de paso no me disgusta. Pero ocurre que a Ricky Martin lo han pasado tanto por la radio, y lo plagian tanto, y se plagia a sí mismo tanto que resulta imposible escuchar otra vez la cancioncita de María sin imaginar fiestas aburridísimas con señoras rubias ya un poco penosas.

¿Lo que hacen estos japos es mejor? Es rap, es funk, es jazzrockito latino, es pop pular. Observen esas pintas: los japos saben estudiarse el mínimo detalle, son excelentes actores y pueden expresar una personalidad con una pincelada. Fíjense que ninguno de ellos está exagerando nada, podrían ir así por la calle...

Estos estilos son precisamente vulgares en el mejor sentido de la palabra. El álbum me divierte mucho, y si tuviera que musicalizar una fiesta creo que basta con poner esto para que sea dificilísimo dejar de bailar. Estoy comenzando las navidades con esto y no dejo de pensar que me voy a bailar algo. Permiso.

Fishtank Ensemble - Samurai over Serbia (2007)

2010-11-26T22:08:00.007+01:00

Vamos a contar una historia de esas.

Había una vez y sigue habiendo un francés al que le gustaba viajar por ahí; un día vio pasar a una troupe de gitanos y se les unió sin pensárselo demasiado. Fabrice Martínez se llama el irresponsable ese. Viajando con los gitanos aprendió varias cosas, entre ellas a tocar el violín, y el folk tradicional gitano, que abarca desde los Balcanes hasta la península ibérica. Recorrió varios países, y una vez que llegó cierto momento de esos que no se sabe por qué, pero llegan, dijo "Me voy a california" y se fue.

Allí conoció a una mujer que se llama Ursula Knudsen, del tipo que verla le hace pensar a uno en cosas muy serias. Y oirla cantar... Mmmhhh... Ohhhhh... Ejem.

Junto a ella también conoció al acordeonista Aaron Seeman, al guitarrista Douglas Smolens, al percusionista Adam Stacy y a un intérprete del shamisen llamado Kevin Kmetz, otro americano (U.S.A. está produciendo muy buena música) que ganó un primer y un segundo premio en sendos concursos de shamisén en Japón, el único occidental hasta ahora en lograrlo.

Muy bien, todos estos iluminados por una afortunada magia coincidieron en una sala de conciertos llamada Fishtank, en Oakland. Charlaron, charlaron y parece que alguien dijo algo así como "Che, pintó concierto?", sugiriendo mandarse una zapada ahí mismo en cuanto la sala estuviera disponible. Sí, así sin ensayar, una zapada a ver qué dice el público...

En unos días se mandaron su divertida zapada, y parece que pasó algo medio raro. Claro, yo creo que con tanta historia de gitanos, japonerías, talento que se junta de repente y las piernas de Ursula... era como para que cualquier duende urbano se entusiasmara: parece que se encontraron tocando canciones que ni ellos mismos conocían, pero que salían totalmente fluidas. El público no creyó que fuera una zapada sino un concierto de tipos con mucha carrera juntos. Tanto como para que alguien les ofreciera grabar un disco, que hicieron en tres semanas.

No es el que se presenta aquí, pero valía la pena contar la historia. Como corresponde a músicos de verdad, y no a la pelotudez de los divitos y divitas penosos que nos venden los medios, Fishtank Ensemble es en realidad uno de los proyectos y puntos de encuentro de gente que participa en múltiples proyectos, muy lejos del comercio y muy cerca del amor a la música. Créanme que merecen ser conocidos y más.

La vocalista es otro hallazgo, canta en múltiples idiomas y múltiples sentidos, baja notas del cielo, y también las sube. Y por si hacía falta -que siempre hace- toca el violín, el banjolele (mezcla de banjo y ukelele), el theremin y el serrucho. Sí: el serrucho.

Y la banda traspasa la música balcánica, klezmer, flamenco, folk japonés, nórdico... todo envuelto con un talento que nos parece estar escuchando un género de toda la vida, por una banda de toda la vida.

Si alguien dejara un link en los comentarios, tendríamos que agradecérselo y no perder un minuto. Es tiempo ganado para nosotros, porque la vida es esto y lo demás es mentira.

Website: http://www.fishtankensemble.com/

David Tukhmanov - Po Volnye Moei Pamyat (1975)

2010-11-15T18:26:00.008+01:00

Una joyita perdida. Imaginen la URSS en 1975, hacer música progresiva (que es lo que se llevaba en los ’70) no parece demasiado fácil en un estado dominado por burócratas de gusto seguramente conservador. Sin embargo la escena musical soviética, aunque desconocida en occidente, dio lugar a muy buenos músicos que fusionaron rock progresivo, jazz y clásica con estilos difíciles de comparar. David Fyodorovich Tukhmanov es uno de ellos, y éste álbum es una pequeña maravilla.

Calificado usualmente como “soviet rock”, esta música felizmente trasciende por completo el género. Se trata de un disco sorprendente, lleno de ritmos y melodías muy variadas en las que –contrariamente a lo que uno se esperaría– el “sonido ‘70” que es tan característico (y que a veces puede ponerse previsible y aburrido) no es tan fácil de reconocer, sólo en algunos pasajes uno piensa “sí, esto es seventies...”, pero si me dijeran que este álbum fue grabado ayer no me costaría nada creerlo.

Otra particularidad son las letras, un potaje compuesto por pasajes –en algunos casos creo que versiones libres– de Safo, Verlaine, Baudelaire, Nicolás Guillén (autor del poema cuya versión libre da nombre al disco), Shelley, Goethe, poesía medieval y también de algunos interesantes poetas rusos. Y no hay que temer lo que uno se esperaría frente a esta presentación (¡oh no! rock setentero culto, pretencioso, interminablemente conceptual, solos larguísimos... ajummmm...), por el contrario, el tono es absolutamente fresco.

El trabajo que se mandó David Tukhmanov, liderando su propio cuarteto, reuniendo vocalistas de varias bandas, seleccionando textos muy variados y aportando su propio talento, dio como resultado un disco delicioso, muy fácil de escuchar y al mismo tiempo sofisticado y elegante. El arte de tapa que ilustra la cubierta (también es importante esto en un disco) es muy bello, y creo que da una idea acertada de lo que uno se puede encontrar dentro.

En su momento fue un hit soviético, vendió 2,5 millones de copias y creo que aún hoy se pasa algún tema en las radios rusas. Una edición remasterizada de este álbum se hizo en 1997 y otra, creo, en 1984. En el archivo hay también una breve reseña del álbum que encontré en otro blog, pero realmente me parece que no le hace mucha justicia.

Como siempre, esperemos que alguien deje un link en los comentarios...

Formación:

Борис Пивоваров (Boris Pivovarov): guitarra
Давид Тухманов (David Tukhmanov): piano, órgano, sintetizador, piano eléctrico
Владимир Плоткин (Vladimir Plotkin): percusión
Аркадий Фельдбарг (Arkadiy Fel'dbarg): bajo, violín

Lista de temas (en el original ruso, con esforzada traducción debajo)

Я мысленно вхожу в Ваш кабинет (М. Волошин) М. Бади ("Арсенал")

Из сафо (VII век до н.э. , перевод В. Вересаева) Вокальная группа "Современник"

Из вагантов (XI - XIII вв. , перевод Л. Гинзбурга) Игорь Иванов ("Надежда")

Приглашение к путешествию (Ш. Бодлер , перевод И. Озеровой) А. Барыкин ("Самоцветы")

Доброй ночи (П. Б. Шелли) М. Бади ("Арсенал")

По волне моей памяти (Н. Гильен , перевод И. Тыняновой) В. Андрианов ("Лейся , песня")

Сентиментальная прогулка (П. Верлен , перевод А. Эфрон) С. Беликов ("Аракс")

Сердце моё , сердце (И. В. Гёте , перевод В. Левика) Вокальная группа "Добры молодцы"

Смятение (А. Ахматова) Л. Барыкина ("Надежда")

Посвящение в альбом (А. Мицкевич , перевод С. Кирсанова) Вокальная группа "Современник"

Entro mentalmente en tu cuarto. Maximilian Voloshin; Mehrdad Badi (del grupo Arsenal)

De Safo. Safo (s. VII a. C.). Traducción de V. Veresaeva; grupo vocal Sovremennik

Del Vagant (“vagants”, trovadores franceses, s. XI - XIII d.C.). Traducción de L. Ginzburga; Ígor Ivanov (del grupo Nadezhda)

Invitación al viaje. Ch. Baudelaire, traducción de I. Ozerovoj; A. Barykin (del grupo Samotsvet)

Buenas noches. P.B.Shelley; Mehrdad Badi (Arsenal)

Por las olas de mi memoria. Nicolás Guillén (“Agua del recuerdo”), traducción de I.Tynjanovoj; V. Andrianov (del grupo Leisya Pesnya)

Paseo sentimental. P.Verlaine, traducción de A. Efron; S. Belikov (del grupo Arax)

Corazón, mi corazón. J.W. von Goethe (“Neue Liebe, Neues Leben”), traducción de V.Levika; grupo vocal Dobr Molodts

Confusión. A. Ahmatova; L. Barykina (Nadezhda)

Dedicatoria del álbum. A. Mitskevich, traducción de S. Kirsanova; grupo vocal Sovremennik

Liv Moon - Double Moon (2009) o una voz en la cúspide

2010-11-10T15:34:00.005+01:00

Si visitan su sitio web van a ver a una chica muy mona, delgadita, de apariencia tan casual como para que hasta ese peinado apenas desprolijo le quede precioso. Sin embargo es difícil retener esa imagen mientras se la oye cantar.

Nacida en Suecia de madre nipo-coreana y padre sueco-polaco, Akane Okamoto-Kaminski más conocida como Akane Liv es el alma del proyecto Liv Moon, cuyo primer album se presenta con placer.

Educada en Japón -qué raro-, logró entrar al Teatro Musical Takarazuka, en donde sólo entran mujeres y hasta ese momento japonesas. Seis años allí y bajo una disciplina bastante espartana pero fructífera, Akane salió lista para comerse el mundo.

Con un registro impresionante (cuatro ocatavas, dicen los que saben) Akane Liv es la voz principal de Liv Moon, y para los amantes de los géneros, podría clasificarse como "metal sinfónico", pero creo que es imposible encontrarle parangón (pienso en bandas como Mutyumu o Diablo Swing Orchestra, pero no muchas más), Akane Liv se atreve con todo, y en este álbum hay una versión de El Fantasma de la Opera que creo está a la altura de las mejores.

Además de este precioso trabajo que presentamos aquí, ha grabado otro de covers (Scream like a Woman - 2010) que sugiero buscar porque tampoco tiene desperdicio.

En suma: una maravilla; si alguien nos deja un link en los comentarios sugiero lo bajemos sin demora.

Liv Moon - Double Moon (2009)

Temas:

1.Hisui Nephrite
2.Getsuka
3.Double Moon
4.The Phantom of the Opera
5.Interlude - The River Of No Return
6.A Wish
7.Oto Nakisakebi
8.Azayaka ni
9.Interlude - Privileged
10.Wild Creatures
11.Escape
12.Time to Say Goodbye
13.Good Night
14.La Luna (Bonus Track)

Liv Moon, Formación:

Akane Liv - Voz
Tatsuya Nishiwaki - Teclados
Youichi "Cheesey" Éhirose - Bajo
Kozo Suganuma - Percusión
Akitoshi Kuroda - Guitarra

Akane Liv, web oficial: http://www.akaneweb.net/

Re ups!

2010-09-04T02:15:00.002+02:00

Acabo de reparar algunos link rotos. No podía permitir que Jun Togawa o Koenjihyakkei quedaran fuera de alcance.

Aproveche ahora que mañana quién sabe...

Ryota Komatsu, tango nipoporteño

2010-08-05T17:33:00.006+02:00

No estaría bien dejar el blog de un argentino sin un tanguito, aunque como siempre tira la niponfilia, vamos a presentar a un tanguero japonés: Ryota Komatsu.

Una forma de conocerlo es leer este reportaje, me gusta especialmente esta parte:

No recuerdo que mis padres me hayan hablado de música. Le cuento una historia privada. Hasta los diecinueve años yo no sabía realmente qué hacer con mi vida. Mi madre estaba tan preocupada que consultó con una adivina. Le dijo: "Llévelo a orar a la tumba de sus antepasados". Lo hice y a los pocos días me metí de lleno con el bandoneón. No sé si tuvo algo que ver, es algo misterioso.

La adivina parecía tener bastante ingenio: la tumba de los antepasados parece un excelente lugar para meditar sobre lo que uno quiere hacer de su vida. No creo que se trate de nada mágico, podría haber sido una excelente psicóloga.

El disco que voy a reseñar es Tangologue, en el que Ryota Komatsu interpreta todos los temas, algunos de autores argentinos y otros de autores japoneses, incluído él mismo (Spica Esquisse me gusta especialmente). Tiene mucho de piazzolesco incluso en los temas que no son de Piazzolla, pero no se trata de una lánguida imitación sino de recrear un estilo ya consagrado. Y Ryota Komatsu lo hace de manera muy solvente.

Los cambios de clima que propone llevan por un momento a pensar que estamos ante un concierto un poco avant garde y “raro” para los tangueros tradicionales, pero si “raro” es un defecto para los tradicionalistas, yo prefiero tener el oído atento a las novedades con la única y férrea condición de que me gusten.

Y por favor no me vengan con que si “eso es tango” o “no es tango” porque me aburro muchísimo.

Tangologue (2005 – Sony Bmg Europe)

1) Buenosaireando (Victor Lavallen)
2) Spica Esquisse (Ryota Komatsu)
3) Jealous Man (No Me Hagas Melancolico) (Yuji Toriyama)
4) Preparense (Astor Piazzolla)
5) Betochaplica (Hiroshi Kumata)
6) ¿Cómo? (Hiroshi Kumata)
7) El Ultimo Kurdo (Ramiro Gallo)
8) Made In Usa (Astor Piazzolla)
9) ¡Qué Falta De Respeto! (Hiroshi Kumata)
10) Encuentro Con Osvaldo Montes (Ryota Komatsu)
11) Sueño De Tango (Leopoldo Federico / Nicolas Ledesma)
12) De Norte A Sur (Victor Lavallen)
13) A La Sombra Del Fueye (Victor Lavallen)
14) Mi Fueye Querido (Leopoldo Federico)
15) Mezame (Masao Yagi)

¿Link en los comentarios...?

The Eccentric Opera - The Eccentric Opera

2010-07-08T19:55:00.009+02:00

En primer lugar: estoy seguro de que esto no dejará indiferente a nadie sea cual sea el género que le guste al ocasional lector. Si le gusta la ópera... bien, yo no soy un experto en el asunto y no puedo juzgar con la menor autoridad, pero a mí me parece que estas chicas cantan muy bellamente.

"Estas chicas" son:

Nami Sagara, o la pelada que aparece en el disco, soprano y voz principal

Graduada en la Universidad Nacional de Bellas Artes de Tokio, dueña de una voz angélicamente potente y expresiva.

y Naoko Kakiage... jamás pensé que un escobillón podía ser tan sexy:

Naoko también se graduó en la misma universidad, es una exquisita segunda voz y además maneja los teclados, los sintetizadores, las computadoras y toda la parafernalia electro.

Un momento... ¿"parafernalia electro" dije? ¿No es que cantan ópera? Bien, es verdad que cantan ópera, algunos de sus discos no incluyen electrónica, pero este sí. Se trata de su disco debut, del año 1996, y me parece blasfemamente bello. Sé que los puristas pueden protestar, pero también estoy seguro de que The Eccentric Opera puede anonadar al oído más exigente.

No sólo por lo bien que cantan, no se trata de cantar ópera y poner "punch-punch" detrás, como han hecho tantos. Aquí se trata de una vocalización mágicamente cambiante, un pathos (si me perdonan el snobismo) vibrante combinado con una elegancia tecnológica apabullante. Los japoneses me convencen de que en el arte vale absolutamente todo y que la única regla maestra es algo tan volátil y contundente como el talento.

¿Gregorians? Olvídelos ¿Nina Hagen? Una gritona esforzada y gorda. Quizás el inmortal Klaus Nomi podría hacerles alguna sombra desde los '80... Pero The Eccentric Opera la rompe en mil pedazos.

El mejor momento del disco para mí es quizás Torna a Surriento, el italian-euro-lounge-pop que despliegan es cancherísimo (supercool en gringo), y Oh! Mio Babbino Caro mezcla el patetismo del original de Puccini con un electro frívolo totalmente desconcertante, todo al mismo maldito tiempo y sin perder cada cosa su carácter, a pesar de estar todo perfectamente ensamblado.

Quizás el Hallellujah y el Ave Maria sean -luego de haber escuchado todo el álbum- menos sorprendentes, pero de todas maneras no hay una sóla nota de más en toda la obra.

Para este album incorporaron al tenor Yutaka Kawasima, quien canta partes que yo al menos no había escuchado nunca cantadas por varones, aunque quizás sí existan antecedentes que yo no conozco.

Album: The Eccentric Opera
Editado en: 1996
Ref.: ESCB1779 - Epic/Sony Records

1 - CARO MIO BEN (G.Giordani)
2 - CARMEN : HABANERA "L'amour est un oiseau rebelle" de la ópera Carmen (G.Bizet)
3 - I WANDER AS I WANDER (John Jacob Niles)
4 - AMARILLI (G.Caccini)
5 - MADAM BUTTERFLY "Un bel di vedremo" de la ópera Madama Butterfly (G.Puccini)
6 - TORNA A SURRIENTO (Ernesto de Curtis - Giambattista de Curtis)
7 - THE QUEEN OF THE NIGHT "Der Holle Rache kocht IN meinem Herzen" de la ópera Die Zauberflote (W.A.Mozart)
8 - OH! MIO BABBINO caro de la ópera Gianni Schicchi (G.Puccini)
9 - HALLELUJAH del oratorio Messiah (G.F.Handel)
10 - AVE MARIA Ellens Gesang 3 op.52 -6, D839 (F.Schubert)

Link en los comentarios...?

FLiP - Haha Kara Umareta Hinekure no Uta

2010-05-26T05:05:00.005+02:00

No, no somos punks, estamos hartas de eso. Sí, nos pusimos lo primero que encontramos ¿tenía que ser de otra forma? Sí, este lugar es tan bueno como cualquier otro. Sí, miramos para cualquier lado, sí, y yo me traje las llaves colgadas y no es un accesorio cool precisamente. Somos personas ¿sí?

Nosotras cantamos, nene.

Y dejá de mirar con esa cara, por favor.

Haha Kara Umareta Hinekure no Uta

1 DARTS
2 haha kara umareta hinekure no uta
3 aikyou warai
4 SING
5 yayoi no nijuukyuu

Diablo Swing Orchestra - Sing Along Songs for the Damned & Delirious

2010-05-20T04:32:00.011+02:00

Una demoledora belleza. Continuando el trazo de la estela metaloide, aquí presentamos a unos suecos que hacen algo que muchos llaman Avant Garde Metal, otros Tech Extreme Prog Metal y demás volátiles nombretes. Ellos lo llaman Riot Opera (algo así como Opera en Rebelión, Opera Kilombera, qué se yo); yo... no puedo decir mucho. Sólo acotaría que no me suenan realmente avant garde, no encuentro demasiados recursos de ese tipo (predominio de cuerdas, escalas suspendidas apoyadas en medias notas); el avant garde, que puede ser excelso o aburridísimo, creo que es otra cosa… Igual mi opinión vale cero porque realmente no tengo formación musical.

Pero lo poco que valga no impide que se me cante escribirla: me parece que estos tipos son excelentes (cinco tipos y una mujer, como para que no me acusen de sexista y bla). Hablando de la mujer, es una vocalista que evidentemente ha hecho ópera y canta furibundamente bien sobre una mixtura de ritmos, texturas y melodías cuya base frecuente es el heavy, es cierto, pero eso es una mera excusa, un elegante guiño que hace de envoltorio para una mezcla de estilos maestrísimamente ejecutada, si perdonan la torpídea estramboticidad de mi pluma.

De hecho en la joyita que voy a presentar hay un pasaje que me encanta en el que estos dementes se mandan un ritmo tropical con guitarras demoledoramente pesadas que es una delicia.

Por si faltara algo, esta gente cultiva un perfil visual muy atractivo, con imágenes muy cuidadas; y hasta se inventaron su propia leyenda: al parecer se dicen descendientes de una banda medieval que desafió la prohibición de la iglesia de tocar música orquestal. Luego de una larga persecución, sabiendo que no tenían alternativa, prepararon un desafiante y majestuoso concierto antes de ser martirizados. Y parece que dejaron la posta a través de los siglos a estos muchachos, sus descendientes, que realmente tocan y cantan como si fuera la última vez. En alguna disquería de Estocolmo se toparon dos de ellos, que habían recibido una extraña carta con instrucciones para reunir a la Orquesta de los Diablos...

Andá a saber si es invento. Y además ¿qué es realidad y qué no?

Como sea, podría decir (y digo, qué tanto) que esta es una orquesta a la altura de las mejores bandas japonesas (estoy seguro que los DSO escucharon un rato largo la música que viene de allí), lo que ya es decir, y prueba que el secreto no está en los genes sino en la única aristocracia no manchada por la estúpida venalidad: la del talento.

Diablo Swing Orchestra - miembros:
Daniel Håkansson - Guitars
Ann-Louice Lögdlund - Vocals
Pontus Mantefors - Guitars, Synth
Andy Johansson - Bass
Johannes Bergion - Cello
Andreas Halvardsson - Drums

Sing Along Songs for the Damned & Delirious

1. A Tapdancer's Dilemma
2. A Rancid Romance
3. Lucy Fears The Morning Star
4. Bedlam Sticks
5. New World Widows
6. Siberian Love Affairs
7. Vodka Inferno
8. Memoirs Of A Roadkill
9. Ricerca Dell'anima
10. Stratosphere Serenade

¿Habrá link en los comentarios de nuestro anónimo benefactor?

Gostwind - Korean Rd (2006)

2010-04-29T03:57:00.008+02:00

Bien, seguimos en Asia, pero esta vez la banda es surcoreana: Gostwind sacó su álbum Korean Rd (he visto el nombre "Korean Road" y la foto muestra efectivamente un camino, pero no sé si es correcto, la tapa del disco dice "Rd" nomás) en el año 2006 y me parece que se merece un lugar en este blog, deshilachado pero voluntarioso.

¿Estilo? Bueno, Gostwind es una banda de folk coreano con influencias metaleras... ¿O una banda metalera con influencias de folk coreano? Me parece que lo primero les queda mejor. El clima del álbum es bellamente épico, aunque obviamente no entiendo un pomo de lo que canta Gim Ran, vocalista que sazona una voz aniñada con un pathos absolutamente convincente. Es una voz dúctil y extraña, pero sobria, que no carece de variaciones si se escucha con atención. El único defecto -si es que es un defecto de la obra y no un vicio mío- es que todos los temas trasuntan un mismo clima. Pero vamos, es un clima excelente, creado por canciones excelentes cantadas de manera excelente, me dejo de joder.

Como para hablar más de la vocalista, está entrenada en un tipo de canto tradicional coreano llamado Pansori, que normalmente en el folk coreano incluye un tambor, una voz... y nada más. Gostwind agregan bajo, guitarra, batería y un Daegum especie de flauta traversa que hace un maridaje inesperadamente armónico con los riffs metal-hardrockeros.

Momentos cumbre (si se me permite acuñar una frase) del álbum me parecen la quinta canción Escape, y sin duda la muy solvente versión que hacen de Day of Wrath; sí, el famoso Dies Irae, himno latino que resultará familiar a los amantes de Mozart y a los católicos preconciliares (digo, que por ahí hay alguno leyendo). Como siempre ocurre con las buenas versiones, conocer el original acrecienta el placer.

En definitiva: una obra bella, disfrutable, ejecutada con mucho oficio y muy original. No les gustará a los metaleros ortodoxos, posiblemente tampoco a los amantes del folk coreano ortodoxos. Es que los ortodoxos son muy aburridos.

Gost Wind

Sello: Firebird/Universal Korea
País: Corea del Sur
Géneros: Llamémoslo Folk-Metal

Formación

Gim Ran: Voz
Gim Byeong-Chan: Guitarras
Na Hun-Ju: Bajo
Ryu Geun-Sang: Percusión
Gim Seung-Wu: Daegum

Korean Rd

Grabado en: Estudio
Fecha de salida: 2006-11-14
Sello: Firebird/Universal Korea
País: Corea del Sur
Tiempo: 40:20

Temas

1. Morning Calm (1:32)
2. Tears in Memory (4:56)
3. Korean Road (4:14)
4. Last Shine (4:03)
5. Escape (3:54)
6. Revolution (3:49)
7. Clone Love (4:22)
8. Crane Dance (4:22)
9. Day of Wrath (4:59)
10. Wing (4:09)

Esperamos siempre al generoso anónimo que deje un link en los comentarios, déeeeele...

Cicala Mvta - Ghost Circus (2009)

2010-03-23T01:42:00.009+01:00

Maravilla de orquesta y maravilla de obra. Cicala Mvta (pronúnciese “Chicala muta”) es un proyecto fundado en 1994 por el eximio clarinetista (aunque toca también otros instrumentos) Wataru Okhuna. Participa de este proyecto otro monstruito conocido nuestro: Tatsuya Yoshida.

Observen primero el arte de tapa: estos tipos se preocupan por hacer bella TODA la obra, creo que hasta la etiqueta con el precio debe ser elegante.

¿Qué toca Cicala Mvta? El estilo se basa en un tipo de música que surgió a partir de la occidentalización que sufrió Japón durante la Era Meiji (s. XIX, primeras décadas del s. XX), que fue particularmente acentuada (no podía ser de otra manera si quería tener éxito) en el ejército. Así fue que las orquestas del Ejército Imperial Japonés comenzaron a tocar música occidental con instrumentos occidentales, lo que se empezó a considerar como “música culta”.

Ocurrió entonces que en los barrios populares surgieron bandas de música callejera que imitaban este sonido y sus instrumentos. Normalmente eran muy modestas y tocaban por encargo para animar inauguraciones de comercios y ferias. A este estilo se lo llamó “Ching Dong” (que es el título del primer álbum de Cicala Mvta). La música Ching Dong se consideraba una imitación ingenua y basta, con el desarrollo posterior del Japón poco faltó para que fuera olvidada.

Pero Wataru Okhuna demostró olfato estético al rescatar esta música. Reconocerán que el “sonido Cicala” recuerda mucho al de una banda circense o militar (que no curiosamente se parecen mucho). Pero los japos siempre van más allá: Wataru Okhuna percibió que este fenómeno no era exclusivo del Japón sino que otras muchas músicas populares del mundo compartían historias parecidas. Así que sobre esta base montó muchas otras texturas: klezmer, balcánica, turca, otros estilos japoneses como el rítmico de Okinawa, free jazz y más que mi ignorancia me impide reconocer. El resultado es... imposible de clasificar: todos los estilos están tan diestramente ensamblados que forman un nuevo sonido, el “sonido Cicala Mvta”, un regalo para el tímpano.

Este álbum es un ejemplo. No se esperen aquí golpes de efecto guau, ni volteretas extravagantes explícitas: todas las canciones “parecen” fáciles al oído, reconocibles, familiares. Y esto es porque son adivinen qué: agradables. Pero escuchando con atención uno realmente no descifra el género... o descifra demasiados, ya que hay de todo; algunas cosas suenan un poco arabescas, hay floreos jazzeros y también muy discretos toques electrónicos, algunos pocos coros operísticos al estilo Yoshida pero más sutiles que de costumbre (quizás si este álbum puede mejorar sería ofreciendo un poquito más de estas vocalizaciones, ya que es fundamentalmente instrumental); hay ritmos de vals y texturas latinas... qué sé yo, hay cualquier cosa, miren. Es de una compleja y elegante simplicidad, es bastante misterioso, es algo melancólico, y no le falta ese indispensable humor musical que lo hace único y personal.

Recomiendo escucharlo tranquilo, eso sí. No me parece que sea para el aparatito minúsculo que mete la música en la cabeza luchando contra el ruido del subte; así creo que no se apreciará demasiado. Yo lo escucho en casa mientras juego al ajedrez.

Hay también dos intervenciones que los hacen queribles además de admirables: uno de los temas es del chileno Sergio Ortega: The United People Will Never Be Defeated, vamos, que esto es decir en inglés que El Pueblo Unido Jamás Será Vencido; esta versión conserva los aires latinos del original traducidos al “lenguaje Cicala Mvta”.

Y luego claro: The Right to Live in Peace, preciosa versión jazzera-valsesca del bello tema que debemos a nuestro tan querido Victor Jara: El Derecho de Vivir en Paz, con el que además de romperme la cabeza con su talento conquistaron mi corazón. Leamos el comentario del amigo Wataru en su web:

On one hand I wanted to send the message of this song (and those of The Song of the Birds and The United People Will Never Be Defeated) to this idiotic and lukewarm time. While on the other hand, I feel it suffices just playing this simple and beautiful melody. It has a capacity for a long flight.

También hay una explicación respecto del nombre del grupo, que curiosamente es italiano:

It derives from the inscription on the epitaph of Soeda Azembo(1872～1944) ; a legendary street singer.

“ A CICALA-MVTA CHE CANTAVA E LA SVA MOGLIE CHE L' AMAVA ”
(The mute cicada that sang and his wife who loved him)

This is from the epitaph for Soeda Azembo (mute cicada) the greatest street singer-song-writer of popular music in Japan, before the 1920's --- the beginning of the days of mass culture. In those days the street-singers used to sing and sell the songbook on the street. And the incredible point is that before radio broadcast and SP records, his comical and sarcastic songs often became a mega-hit in the whole country. Also he is known to create the first modern protest song in the movement of the early socialists in Japan. His pen-name derives from the ironic humor that the "mute cicada" loudly sang ! But it was not humorous , that after the mid 1920's, the hard oppression of the militant totalitarism and the development of mass culture industry got him really mute.

En la web oficial del grupo van a encontrar además reseñas e informaciones más que interesantes.

En resumen: es un álbum delicioso. Lo muy recomiendo.

Y ya sé que no hay un mango, que seguramente no se consigue en Argentina y que importarlo debe sonar utópico para el bolsillo argento promedio. Pero para algunos que pueden sería una elección inteligente conservar el mismo teléfono celular de siempre, prescindir de las variopintas porquerías que comienzan con “i”, y gastar esa guita en los tres CD´s que sacó esta banda (y el cuarto que está por salir), de los que aseguro se disfruta cada nota.

01. Ghost Hymn Introduction
02. Pillow Walk
03. The United People Will Never Be Defeated
04. Stara Planina
05. The Sleep-Walker's Escape
06. Dr. Caligari's Side Show
07. Heraklion
08. Song Of The Birds
09. The Beam And The Bellows
10. The Right To Live In Peace
11. Ghost Requiem
12. Bonus

Wataru Okuma (clarinet, bass clarinet, vocals),
Yoshiyuki Kawaguchi (saxophone),
Yoshiki Sakurai (guitar),
Takero Sakijima (tuba, recorder),
Tatsuya Yoshida (drums, vocals),
Keisuke Ota (violin, vocals),
Yoshiaki Sato (accordion),
Yoichiro Kita (trumpet),
Akiko Watanabe (trombone),
Miwazo Kogure (ching-dong, gorosu)

¿Dejará alguien un link en los comentarios?

Anachro Clock - アナクロクロック

2010-01-22T18:29:00.012+01:00

No confundirse con la imagen producida, no se trata de una bandita de pop pavitonto...

Japón es –a juicio de este par de tímpanos– el país en el que actualmente se hace la mejor y más variada música. Existen una impresionante cantidad de bandas y estilos, es difícil no encontrar una sutil calidad y una cantidad de recursos musicales apabullante. Es verdad que también tienen grupos que por lo menos a mí no me llaman demasiado la atención, y otros decididamente chotos, pero la cantidad de buenas bandas que hay es inmensa.

Los distintos estilos musicales en Japón suelen denominarse “kei”, que supongo deriva de la palabra inglesa “key” o clave.

Una de las características más interesantes de la música japonesa –me parece que de su cultura en general– es su falta de temor ante la imitación. La palabra “imitación” en las lenguas occidentales conlleva casi inevitablemente un significado negativo, nosotros presuponemos que toda imitación será necesariamente más pobre que el original. Sin ser un entendido en cultura japonesa me atrevo a arriesgar que para el japonés no es así: la impresionante facilidad con las que extraen las claves de estilo de cualquier género occidental les permite revitalizar géneros y fusionarlos para lograr efectos sorprendentes. El vals, el hard rock, cualquier música de las llamadas “étnicas”, el género melódico, el rock progresivo, la new wave ochentosa, el funk, el jazz en todas sus variantes, el pop azucarado… todo les sirve como materia y excusa para crear algo nuevo.

Imitar un estilo creado por otras culturas… y superarlo: hacer jazz mejor que los americanos, vals mejor que los europeos, superar a Frank Zappa en su propio terreno, son cosas que a un occidental no se le ocurren, esfuerzos que parecen imposibles. Bien, los japoneses lo logran, si no siempre, demasiadas veces como para no acercarse a husmear lo que hacen.

Ya hay muchos blogs de occidentales dedicados exclusivamente a la música que hacen estos monstruitos, y la diosa que preside el modesto templo musical del que escribe es Jun Togawa, intérprete casi desconocida en occidente que me parece llega donde pocos han llegado.

Lo que voy a presentar ahora es una banda de las llamadas “Visual Kei ”, estilo musicalmente demasiado amplio, que incluso no se define sólo desde el punto de vista musical sino también –lo indica el nombre– visual. Otra cosa que se aprende con los japoneses: hay poca distancia entre la música y el teatro. Algunos intelectos de este lado del mundo suelen despreciar el despliegue visual como superfluo, “extramusical”, mera excusa que olvida la música "pura", como si el arte pudiera ser "puro". Para un japonés se trata de una objeción incomprensible: si al fin y al cabo estamos haciendo arte no tiene sentido restringirse en los elementos de expresión. Eso sí: se trata de hacerlo bien, de ofrecer un espectáculo visual de calidad que acompañe una música cuidadamente hecha, y no una mera excusa “carismática” para ocultar la ramplonería o la falta de talento.

Desde el punto de vista musical el Visual Kei suele combinar elementos melódicos muy sentimentales que de pronto pueden devenir en cualquier cosa: riffs heavymetaleros, o bien alaridos punk con batería insistente, obscuridades góticas, distorsiones grunge… Esto en sus variantes más comunes, pero el grupo que voy a presentar es un grupo Visual Kei de estilo mucho más personal.

El grupete se llama Anachro Clock, trio de corta vida (2006-2008) que editó apenas dos mini albums de cinco y seis temas, y un single, que ofrezco todos aquí. Dolorosamente poco si se los escucha, porque su producción es de una belleza sorprendente. Estaba compuesto por dos chicas a cargo de guitarra y bajo, y un cantante (bah... lo supongo en realidad, los grupos Visual Kei suelen ser muy ambiguos en su apariencia). Lo que van a encontrar en estos discos es una bella colección de valsecitos rockeros originalísimos, algunos floreos piazzollanos (Mannaz – Uni He Mukau Suna), cuerdas clásicas, algo parecido al pop pero muy ecléctico, y un talento indiscutible.

Miembros:
Vocal: Shiki
Guitarra: Sin
Bajo: Maya
Status: Disuelta
Actividad: 2006~2008
En japonés: アナクロクロック

Los gustos musicales son variados, pero me atrevo a decir que poca gente que ame la música no pasará una hora más que agradable echándoles una oída. Sugiero prestar atención también a la belleza de los diseños de portada.

Hari Ga Ugoku, Sono Toki (2006.12.25) [ Album ]
Ref: N/A
Tracklist:
1. Chronos Ni Kyuusoku Wo
2. Shiro No Canvas
3. Ashita e No Tabi
4. Ryodan, Kaku Katariki
5. OTOSU MAHOU
6. Niji

Mannaz (2007.07.11) [ Single ]
Ref: N/A
Tracklist:
1. Umi he mukau suna
2. Boku ga kimi ni okuritai serifu
3. Yume ni egaita jibun
4. Hakoniwa no yoru (inst)

Shiro no canvas / Niji (2006.08.21) [ Single ]
Ref: N/A
Tracklist:
1. Shiro no canvas
2. Niji

Como siempre, si alguien quiere dejar un link en los comentarios...

Trío Argentino de Bajos - El orden de los bajos no altera el producto

2009-11-07T05:53:00.009+01:00

Recomiendo bajarse esto con premura y sin tardanza. Antes de escuchar esta obra la parte más estrecha y escéptica de mi espíritu -hay que admitir todo- frunció la nariz y dijo:

- El nombre del álbum no es muy creativo.
- "Argentino" no es una definición musical.
- ¿Qué se puede hacer con sólo tres bajos? Seguro que son avantgardescamente aburridos.

Torpe de mí.

Un cosquilleo de satisfacción nacionalista-futbolera (también un poquito tonto, pero ¿por qué privarse de ese placer sentimental?) es lo que se siente al saber que:

- Esta obra está entre las más bellas, versátiles y elegantes que pude oir en mucho tiempo.
- Es sorprendente lo variado que puede ser un trío de bajos.
- Esta música tiene un sabor argento inconfundible, y es disfrutable por cualquiera que guste de la música. Como siempre: lo nacional, cuando bueno, es universal.

No sé mucho de ellos, pero sé que han tocado en Buenos Aires, y recomiendo a cualquiera que vaya a verlos. En esta obra el Trío Argentino de Bajos ejerce la evocación con delicada naturalidad, crea atmósferas placenteras que lo hacen apto para cualquier ambiente y al mismo tiempo está lleno de detalles y recursos musicales que permiten quedarse sentado simplemente prestando atención a cada nota.

Las cuerdas de los bajos son protagonistas, claro. Acústicas, electrónicas, amplias, profundas, ligeras... provocan sorpresas varias sin chocar nunca al oyente. Nuevamente: cuesta creer que son sólo tres bajos. Hay guiños múltiples, pero no guiños tontitos sino vueltas sorprendentes que nunca caen en la fatigante demostración técnica (mirá qué bien que toco) sino que la habilidad brilla precisamente por su discreto servicio a la belleza.

Como rata por tirante es una delicia de boogie jazz, y el último tema rompe la cabeza, pero no se puede decir con exactitud qué es lo que tocan... Y eso es lo mejor ¿Nu jazz? ¿New age? ¿Hot club? ¿Post rock? ¿Milonga? Aunque parezca mentira los tipos tocan todo eso con sólo tres bajos, y al mismo tiempo el álbum es redondamente compacto; la variedad de estilos sorprende precisamente porque la forma es una bonita excusa para algo más, y ese algo más es lo que atrapa.

Dense un tiempo para disfrutarlo, pónganlo en medio de una conversa con amigos, escúchenlo con la mujer que aman, o con la que quieren amar, fúmense un cigarro, pásenla bien.

Nada, escribo demasiado, bájense esto que es gratis y vale mucho.

Download

http://www.myspace.com/eltrioargentinodebajos
http://www.hispasonicos.com/trioargentinodebajos
http://clinicalarchives.blogspot.com/2009/03/ca230-trio-argentino-de-bajos-el-orden.html

Futbol - Mas Bambino que Nunca

2009-09-15T13:37:00.005+02:00

Buenísimo álbum de esta banda argentina que muestra un sentido musical muy especial. Tiene algunos momentos en los que suena como rock progresivo, pero la mezcla de violines avant-garde con ciertos recursos le dan un aire porteño afiladamente melancólico, si es que eso es posible.

Sobre todo me encanta la utilización de una melodía de dibujito animado cuyo último pasaje se convierte a fuerza de repetición en un efecto sonoro oxidado muy apropiado para pasajes de bajo muy atmosféricos. Se trata de un laburo más que nada instrumental, pero con algunos pasajes cantados (o más bien recitados) con acidez e irónica rabia.

Un álbum de puta madre, bah. La lista de temas promete. Y no defrauda:

1. Baz Brown
2. Madre
3. Astronautas I & II Abalos
4. Look The Disco
5. Elio Rossi
6. Aldo Pastur
7. El Corto Morzillo
8. Bud Spencer
9. Alumniestrella
10. El Abominable
11. M. Coch
12. Metalero
13. Nil Roque Chagas
14. Jorge Montes
15. Movil al Movil
16. Isaac “Bigote” Scliar (El Hombre Signado por el Infortunio)

Los integrantes de FUTBOL son: Juan Pablo Gambarini: Guitarra y sintetizadores,Federico Terranova: Bajo y violin y Santiago Douton: Bateria y voz, ellos se sumaron en este disco Invitados: Maximiliano Wille: Percusión; Federico Landaburu: Clarinete bajo; Nili Grieco: Flauta; Cecilio Martinez: Cello; Primo Zanazzi: Viola. Contacto con la banda futbolenvivo@hotmail.com.

BAJAR ACÁ

...y disfrutenlón!

David Bowie + Maria Callas = Klaus Nomi

2009-08-09T19:20:00.007+02:00

Este post podría servir para una aburridísima discusión sobre si el pop es arte, sobre si ciertos géneros musicales son capaces de arte, qué es el arte, y todas esas preguntas para las cuales uno no está siquiera preparado (en cualquier sentido de la palabra). Cada uno gusta del arte que se merece, y punto.

Klaus Nomi era un contratenor que nació en Baviera en 1944, provenía de una familia de artistas y de chico se ahorraba las guitas que le daba la abuela para comprarse discos de opera. Sabemos lo serios que son los niños en sus elecciones.

"Una vez vi a María Callas, y siempre tuve el sueño de conocerle. En Alemania, existe una costumbre en la noche de año nuevo que consiste en derretir algún metal sobre una vela, y cuando se vuelve líquido lo colocas en agua fría. Algo muy extraño sucede. La idea es que lo analices y juzgues por ti mismo lo que pueda significar para ti. Esta forma parecía como si dos personas estuvieran cara a cara, y por supuesto era María y yo. Bueno, tres meses más tarde fue anunciado que ella iba a venir a dar un concierto en la pequeña ciudad en donde vivía. Fue perfecto, de hecho estuve presente. Y de hecho, salté al escenario, y la encaré lo más cerca posible que pude. Logré obtener un fugaz vistazo de sus ojos, y fue como un incendio dentro de mí. Casi me desmayo. Al día siguiente, fui a buscar una profesora de canto y comencé a cantar profesionalmente, y cada vez que tengo éxito en cualquier cosa, en honor a ella interpreto una de sus canciones". (sacado de aquí)

En materia de fusión pop-ópera hay bastante material, la más conocida representante del género es casualmente una de las -me parece- peores: Nina Hagen. Invito a escuchar este album y sentir a este barroco salvaje que era Klaus Nomi. No para de experimentar, de variar, no se entiende bien qué estamos escuchando... es pop, ajá... es una ópera... ehhmm... es avant garde ¿no?

Qué se yo qué es. Me gusta.

¿Que es decadente? Puede ser. Pero desde el punto de vista artístico eso no quita ni agrega nada, y es ese punto de vista el único que importa.

Trabajó en la Opera Alemana de Berlin durante los '60; también interpretaba arias de óperas en un club nocturno gay. En 1970 se fue a Nueva York, donde me parece tenía la posibilidad de encontrar una musica pop más explosiva, más contrapuesta a su formación clásica, aunque se las rebuscó como pastelero; así que miraré con más respeto las medialunas que me coma con el cafecito de aquí en más.

Se unió a una compañía de teatro, hizo producciones satíricas basadas en óperas, fue sofisticando su apariencia. Hasta que en un evento artístico se mandó el aria Mon coeur s'ouvre à ta voix, de Sansón y Dalila. Lo hizo vestido de extraterrestre y finalizó el aria con unos efectos electrónicos que estoy seguro provocan en quien lee esto una fácil sensación blasfematoria. Yo sostengo que hay que escucharlo. Y que me gusta, qué se yo. Sáquense la duda escuchando el último track de este album que presento:

Klaus Nomi - Encore! - 1983 - RCA

que es el que más me gusta, donde hay diversas canciones, algunas conocidas y otras inéditas. Un despliegue de música escalofriante, una perversa versatilidad y una voz que llega a donde quiere.

Klaus Nomi fue una explosión pop, pero hoy es muy poco conocido. Una de las razones es que -me parece- lo que tocaba era complejo, sofisticado, cambiante. Demasiado caprichoso para pasar por la radio, no parecía una apuesta segura para quienes quieren simplemente hacer guita ya mismo ¿Cuántas veces durante los '80 habremos escuchado Don't worry be happy?

¿Cuántas?

Las suficientes como para que esa canción se haya vuelto tan detestable que ya nadie quiere recordarla.

¿Y cuántas veces pudimos escuchar a Klaus Nomi? ¿En la radio? ¿Quién es Klaus Nomi?

Murió de SIDA , cuando esa enfermedad casi ni tenía nombre, en 1983. Demasiado pronto.

Como siempre si alguen desea linkear el album por ahí...

Perkalaba: hutzul-ska-ethno-punk-you name it

2009-08-02T23:42:00.005+02:00

Una visita a los eslavos ¿Qué ocurre por esos lares? Bueno, hay un grupo de ucranios dementes que merecen mucha más atención de la que tienen hoy: Perkalaba la rompe, escucharlos es un placer.

No sólo despliegan una festiva energía sino que además las melodías son interesantes, cambiantes, a veces hasta hipnóticas. En sus álbums es difícil encontrar un tema flojo: todos son divertidos. Aprovechan bien el hecho de que el ritmo ska se lleva bastante bien con las cadencias centroeuropeas, como la música tradicional ucrania, que la llaman "hutzul". Con este álbum empezamos a explorar una veta de música klezmer, judía, gitana y eslava que fue muy influida por el punk, género que en sí mismo me parece ha dado poco, pero que combinado con otros generó reacciones explosivas y muy agradables.

En el album aquí reseñado (Svyato Gribiv i Foreliv, que por lo que entiendo quiere decir "Vacaciones, hongos y truchas" - 2004) se encontrarán temas como Paraguay (sí, no entiendo nada de la letra pero evidentemente hablan de Paraguay, en el video hay un tipo con una muñeca inflable, en fin...) o el melancólico pero frenético Guley (que me suena familiar pero no sé de dónde). En su mayoría temas cortos, muy rítmicos y acelerados en tempo ska, pero que no aburren porque siempre ofrecen una melodía interesante, sentida y con mucha sangre en las venas. Verlos en vivo debe ser una experiencia que me pienso regalar en cuanto pasen cerca.

Perkalaba en myspace: http://www.myspace.com/perkalaba

Si luego de esta breve reseña alguien quiere aportar algún link en los comentarios...

Koenji Hyakkei, aplanadora lírica

2009-07-01T22:46:00.005+02:00

Escuche a estos monitos. Intente entender qué género es. Si lo analiza un poco verá que Ud. “entiende”; lo que ocurre es que Ud. no entiende por qué “entiende” y eso es justamente lo que le hace no saber ya ni dónde está parado.

Koenji Hyakkei es uno de los proyectos liderado por Tatsuya Yoshida, una figura destacada (si se me permite el hallazgo expresivo) entre varios monstruitos de Japón, ese país al que –al menos desde el punto de vista de la música- hay que agradecerle su mera existencia.

Instrumentalmente tienen la fuerza aplanadora de una banda heavy, pero ojo: no se parecen a nada que se haya escuchado del género. Se los asocia con el rock progresivo... pero definitivamente si esto es rock progresivo entonces todo lo que yo conocía con ese nombre son meros intentos. En el famoso rock progresivo es muy fácil encontrarse con guiños al “arte” que muchas veces son ingenuotes o relamidos. Koenji Hyakkei no cae en eso jamás.

Las voces forman coros líricos y el conjunto mantiene una tensión constante que uno sin embargo acepta gustosamente... ¡No bajan nunca! Los remansos de “tranquilidad” suelen ser tan intensos e insistentes que uno se pregunta cómo es que sigue escuchando. La respuesta es simple: los tipos no cansan, al menos no a mi (y yo no soy un fanático del rock pesado).

En definitiva: estoy hablando demasiado de “rock” y esto no tiene ya nada que ver con el rock, utilizan guitarras eléctricas y baterías, y pueden ser más feroces que cualquiera de esos lateros, pero eso no significa nada. Otra vez me parece que hay que tirar varios discos de artistas que se la han pasado copiándose unos a otros. Estos tipos meten pianos, saxos, free jazz, ópera, susurros y vuelos vocales impresionantes (Grahbem Jorgazz más que una canción es una experiencia). Esto lo puede escuchar cualquiera al que le guste el heavy, el free jazz, la música coral... bah, cualquiera al que le guste la música.

Los nombres de las canciones y las letras son otro asunto interesante; están escritos en una lengua inventada. Todas las palabras se parecen a algún idioma y sugieren algo ya que la entonación, la pronunciación, los acentos, todo tiene su papel en la expresión. En los temas tienen lugar diálogos y repeticiones mántricas (pero nada reposadas) que juegan con la música de una manera tan fantástica que uno tiene esa deliciosa sensación de entenderlo todo, tan similar a la de no entender nada.

El género dio en llamarse “zehul music” y es una invención de Christian Vander, de quien ya hablaremos por aquí pero se trata de un francés líder del grupo Magma, que inventó el “kobaiano”, lenguaje en el cual “zehul” significa “música celestial”. El zheul combina elementos del rock progresivo y el neoclasicismo (como siempre: lo que sea que eso quiera decir).

Escribí demasiado como siempre, y no hice justicia a estos animales musicales. Ofrezco aquí el último de sus álbumes, Angherr Shispaa. Pueden bajárselo de aquí.

Ah! Y agárrense fuerte.

Iron like Nylon, la tensión de la delicadeza

2009-06-17T19:32:00.007+02:00

Bueno amiguitos, primero les dí el dulce, algo fácil de escuchar, rico y digerible. Luego les presenté esto, que es bastante más sorprendente. Ahora es el momento de mostrar la verdadera cara del autor de este blog y decir al público la verdad: se trata de un perverso peligroso.

Quiero presentar a alguien que es una completísima desconocida y además una genia. Se llama Meghan Lamb y su proyecto musical es Iron like Nylon. No es japonesa, ni báltica ni de ningún pais glamorosamente exótico sino de un lugar tan poco avant-garde como Indiana, EEUU. Y es hora de sacudirse ese prejuicio snob consistente en creer que los EEUU no son capaces de nada nuevo culturalmente. Craso error: la decadencia del imperio brinda frutos raros, creo que artísticamente podemos esperar mucho de los EEUU a corto plazo.

Esta chica difunde sus álbumes gratuitamente en internet, los deja por ahí, al parecer le importa un pomo promocionarse mientras su novio (y entiendo colaborador en la composición de algunos temas) hace esfuerzos denodados por darla a conocer, y hace unos videos en los que uno se da perfecta cuenta de que a ella no le interesa para nada hacer videos.

Otra cosa es la música que hace. Y su voz.

Así que alégrense de entrar al club de unos pocos que si hay algún aprecio por la belleza en el mundo deberían convertirse en muchos. Dije que su discografía se consigue en internet, pero el Tío Jack ya ha compilado todo para ustedes, así no se tienen que gastar. Y no sólo lo he compilado sino que hice algo mejor...

Bájense el primer link y escúchenlo. El primer tema Just do it NO ES de Iron like Nylon sino de Steely Dan, del álbum You Can’t buy a Thrill (1972). Es de esos temas que alguna vez hemos escuchado pero que por desgracia (o por suerte) no los han machacado demasiado por la radio. Una o dos veces que lo oímos y ya se quedó grabado en nuestra corteza cerebral... para ser luego injustamente olvidado. Temazo setentero, del mejor rock con influencias funk, cancherísimo y muy disfrutable.

Lo que viene luego es la versión del mismo tema... por Iron like Nylon. Je je.

El tercer tema tampoco es de ILN sino que pertenece a The Hollies, del álbum homónimo (1974), y también es uno de esos buenos temas seventies que nos suenan conocidos. Simply Red hizo una versión en los '80, para mi gusto un poquito aburridona. Le sigue obviamente la versión de ILN, y si escucharon la primera se imaginarán lo que viene.

Pero lo de esta chica no es sólo hacer versiones, de hecho sus temas originales son en mi opinión mucho mejores.

Les dejo entonces: In the Absence of Love – A tribute to Georges Bataille (creo que es el que más me gusta), Shut up, Where will all these bright things be y Iron Like '70, en el cual la chica hace versiones de temas setenteros. Si las versiones de temas conocidos (como Out of Touch, de Hall & Oates o Here Comes the Rain Again de Annie Lennox) pueden gustar, yo prefiero temas originales como el sobrecogedoramente bello I am you are demanding light waves, breves joyas dramáticas como The Tolling o composiciones geniales como It’s a party, tema disco con una impresionante orquesta de violines. Por lo demás, todas las canciones son perturbadoras, bellas y tan ascéticas que uno se pregunta cómo se puede lograr semejante efecto demoledor usando recursos tan austeros; y sin embargo no guarda la menor semejanza con el minimalismo aburrido.

El estilo... es evidente la influencia del canto religioso, y es una buena forma de darse cuenta cómo las iglesias –que de psicología marketinera entienden mucho– pueden inducir al éxtasis mediante la música. Iron like Nylon sólo utiliza la electrónica de una manera sutil para acrecentar los efectos dramáticos de ese instrumento genial que es la voz humana. La de Megan Lamb, más bien.

Y aunque a ella no le importe, es una pena que no la conozcan muchos que seguramente apreciarán su arte.

De nada, lo mío es un apostolado.

Introducción a Iron like Nylon (compilación NO original de Jack Celliers)
In the Absence of Love – A tribute to Georges Bataille
Shut Up
Where will all these bright things be
Iron like '70

Iron like Nylon en myspace: http://www.myspace.com/ironlikenylon
Iron like Nylon en lastfm: http://www.lastfm.es/music/iron+like+nylon

Jun Togawa, un privilegio

2009-06-11T22:57:00.010+02:00

I) Disclaimer

Mi blog es como si fuera mi restaurante, un restaurante gratis, sólo que lo que se pone en el plato lo decido yo. Cuestión de cortesía comérselo y decir “¡Qué rico!”.

Establecidas las reglas, pruebe bajarse lo que se ofrece, decirse a sí mismo que tiene un par de horas para perder totalmente, no hay nada interesante que quiera hacer más que mirar el techo... vamos, no me va a decir que no tiene uno de esos momentos... ¿Qué puede pasar de peor? Embólese de manera creativa: escúchese algo de lo que ofrece quien sabe qué psicópata en la red.

II) ¿Y ahora qué?

Bien amiguitos... esto que les ofrezco es –permítanme el placer de la desmesura– una gema. Nadie que ame la música dejará de reconocer que esto que van a escuchar es algo raro, soph y demoledor al mismo tiempo.

Jun Togawa es una artista japonesa. Allá parece que es bastante popular, pero sus actitudes reñidas con lo comercial han limitado su expansión, así que podriamos definirla como una respetada figura del underground japonés. Aunque ya tiene una carrera extensa y varios discos es muy poco conocida en occidente, pero debería serlo mucho más; esta mujer es asombrosa.

III) Ajá... ¿Y qué canta esta mina?

Los japos nos enseñan que esa pregunta es un poco tonta. El prejuicio de género es entre ellos bastante menos frecuente que entre nosotros. Y Jun Togawa es versátil incluso para standards japoneses.

Para que nos guste Jun Togawa nos tiene que gustar la música. “Música” significa: nada de tribus urbanas ni de “a mí no me saqués del tango”. Sin embargo es seguro que incluso si somos fans de un género (jazz, tango, pop, experimental, opera, blues, carnavalito, vals, música infantil, o punk satánico) encontraremos que Jun Togawa tiene al menos un par de temas de eso. Y buenísimos. Tanto es así que su talento a veces parece destructivo, extrae las claves del estilo y las lleva tan lejos que parece que hubiera acabado con el género, que ya no es posible representarlo mejor.

IV) OK, pero ¿Qué tiene de especial?

Lo primero que se nota al escucharla es su registro vocal, que no sólo es sorprendente sino que además tiene un carácter histriónico tal que es difícil imaginar sólo a una persona cantando. Gracias a Jun Togawa (que no casualmente tiene una carrera como actriz) aprendí el valor de actuar las canciones. La que canta es una niña, una prima donna, una cabaretera borracha, una bruja enloquecida o una alienígena: ella.

Cuando escucho una nueva banda me gusta dibujar y fumar. A las pocas canciones de esta mujer tuve que dejar de dibujar, tuve que dejar de hacer cualquier cosa, y escucharla absorto. Tuve la sensación de ser agarrado del cuello y paseado por donde se le antojó. Las melodías son... originalísimas sí, y extrañas también, pero perfectamente “seguibles”, no se trata de experimentos sonoros fastidiosos. Y la autoridad que demuestra, el modo como se deja el alma en cada canción me obligó a escucharla con la mandíbula floja.

V) ¿Alguna comparación o influencia?

Por ahí se la ha comparado con Nina Hagen... Y claro, es que aquí tuvimos que conformarnos con eso. Jun Togawa está demasiado lejos tanto en calidad como en abanico estilístico. Y esa es otra de las características de esta mujer: nos deja la sensación de que podemos tirar a la basura un montón de discografía, ella lo hizo mejor.

VI) ¿Carrera?

Jun Togawa actuó principalmente en los ’80 y ’90 con varias bandas, proyectos y músicos de puta madre que para mí es un placer presentar aquí, porque estoy seguro son poco conocidos. La banda más conocida de JT es Yapoos, grupo con el que principalmente se dedicó a hacer pop... Pero qué pop: sofisticado, elegante, bailable, raro. Paraleleamente hacía discos con otra banda llamada Guernica, una música más avant-garde, con poca o ninguna electrónica, influencias orquestales clásicas edithpiafescas y gershwinescas, onda cabaret europeo de los ’30, etc. Más adelante desarrolló la Jun Togawa Unit, una banda cambiante de músicos que la acompañan en según qué cosas. También ha cantado con Otomo Yoshihide, que es una bestia del mejor free jazz.

VII) Y dígame, ¿esto que me voy a bajar qué es?

Bueno, es una compilación de 43 temas hecha arbitrariamente por un servidor. He intentado abarcar más o menos una obra tan variada que créanme, es un laburo. Les aseguro que me dejé varias cosas fuera y que habiendo comprado tantos CDs innecesarios bien vale la pena adquirir algo de ella.

En el último set encontrarán un documento con autores, bandas intérpretes, el nombre de las canciones y una traducción aproximada al español. Mis conocimientos de japonés son paupérrimos, así que tómense todas las traducciones como tentativas, sobre todo las que incluyen signos de pregunta.

Basta. Bájense esto, y esto, y esto. Está buenísimo y se acabó.

VIII) Comentarios a las bandas.

Lo que sigue puede ser un spoiler, recomiendo escuchar primero y luego si hay curiosidad pegarle una leída a estos comentarios de algunas de las canciones:

Teinen Pushiganga (1): Esta es la primera canción que escuché de ella. Y también cometí el error de –una vez repuesto del asombro– decir: “Mirá vos qué simpática la japonesita...”. El tema es de Manuel Acosta Villafañe, folklorista argentino.

Sanagi ka no Onna (3) y Panku Sanagi ka no Onna (4): La primera es una bella interpretación del canon en re mayor de Pachelbel, pieza original de 1680 que se hizo muy conocida desde finales de los ’60; se han hecho muchas versiones, pero ésta me parece imperdible. La segunda es un golpe a la mandíbula. Otra cosa que aprendí de esta mujer: es mentira que “El punk es fácil, basta con pegar alaridos en el escenario”. Grave error: para pegar alaridos hay que saber mucho. Prestar atención a las notas vocales finales, que para pasar del berrido barroso a ese vuelo lírico hay que tener un talento. Luego de esta arpía demente intente escuchar a esos grupitos de rock satánico sin sentir lástima por esos adolescentes faltos de cariño.

Suki Suki dai Suki (6): Uno de los más conocidos de JT, y el mejor tema pop del mundo. Al comienzo el oído detecta un floreo que a mí me suena medio sesentoso... Luego una canción pop de goma, totalmente facilonga, pava, para vender chicles... hasta que llega el estribillo, una broma magistral: es imposible no entusiasmarse con esa vocalización gloriosa. Y al finalizar vuelve la vocecita infantil y machacona: “Suki suki dai suki”; como diciendo: “¿Viste gil?”. Esta canción resume el pop en toda su pavada y toda su gloria. Otras joyas pop son Korekutaa (9) y Barbara Sexandroid (21), con una onda sixties 007 deliciosa.

Aurora B (8): Bella versión de un tema del año 1979, hecho originalmente por el duo italiano Krisma (o Chrisma), que son realmente de culto, muy poco conocidos. Hacían una mezcla curiosa –pero común en los ’70 europeos – de kraut-rock con música melódica. Obviamente los conocí gracias a este tema.

Maronie Dokuhon (11) es una melodia bellísima en la que el registro vocal de JT se luce. Aru Ameno Gogo (17) es... un tanguito precioso que contrariamente a lo que yo pensaba fue hecho por japoneses e interpretado por un crooner japonés: Dick Mina.

Sayonara O Oshie Te (13) es otro cover de Comment te dire adieu... pero hay que escucharlo. Me encanta esa voz despechada y llena de dignidad, dn ganas de decirle: “Si, mi amor, lo que quieras”. Doto no Renai (14) es dulcemente angustiante. Muy dulcemente y muy angustiante y muy rara. Tocada en un templo me podría convertir a cualquier religión.

Shinsei muu Teikoku Boukoku ka (32) es una maravilla operístico-teatral en la que JT participa junto a otros monstruitos, y Oh Bureneri (36) es un tradicional suizo al que la inyección de free jazz lo convierte en... en... no sé.

Because the night (39) sí, es el famoso tema de Patti Smith, y este cover es oscurísimo, distorsionado, retorcido y bestial.

Un par de punkosidades como la zapada con Toruenzo en la que se demuestra lo bien que se puede berrear (41).

Formless Station Ends (43) cierra la compilación. Debe ser la canción más rara e inclasificable que he escuchado, y lo gracioso es que no tiene nada de experimental. Jun Togawa hace incluso de la pronunciación un recurso y nos deja así, extrañados, extasiados, maravillados.

...y después hay que escuchar gansadas como que Madonna se “reinventa”... ¿Madonna? ¿Quién es?

Ne Zhdali, estonios cancheros como porteños

2009-06-01T23:11:00.006+02:00

Para picar: aquí hay un grupo de estonios (o ruso-estonios, si hay que hilar fino en el origen étnico) que hacen... ¿Qué hacen? Bueno, para mí hacen free-jazz, pero es tan "free" que deriva hacia varios rumbos: algunas influencias de rock progresivo, avant-garde, folklore europeo oriental... Y estos son los grupos que más me gustan, los que hacen simplemente música.

Escuchar a estos atorrantes es muy placentero: hacen malabares con los estilos, gastan un modo medio farsesco e irreverente, pero ojo: saben tocar. Uno se divierte mucho con ellos aún sin saber qué corno dicen. Nos asalta la agradable sensación de estar en algún pub chiquito de Tallin, o Riga, o Moscú tomando algo fuertón mientras afuera hace un frío de aquellos, y ellos ahí zapando. Como si Sumo se hubiera vuelto jazzero.

Lo cierto es que esta banda -que tuvo su apogeo en los '90 luego de la caída del muro- hace gala de un espíritu nada capitalista ofreciendo su discografía (¿completa?) en su propio website, así que bájese todo lo que quiera.

Aquí incluyo los discos que están grabados en mejor calidad, y si tengo que elegir me quedo con tres:

El primero, Rhinoceroses and Other Firms of Life (1990), bien jazzrockero, en el que creo que ni un tema es descartable; todo se escucha con placer, sorpresa y sin la menor fatiga.

Hey Driver Cool Down The Horses (1994) es un poco más "étnico", con mezclas de (lo que supongo es) folklore báltico o ruso con electrónica.

What Ever Happens, Twist (1995) es otro discazo, un poco más experimental pero muy compacto y logrado.

Estos son los grupos que me hacen pensar en lo ridículamente injusto que es el mercado musical con el talento y la originalidad, lo sometidos que estamos a un bombardeo de uniformidad sonora aburriente y pesada.

Déle otro toque sofisticadín a su colección de música y mienta desvergonzadamente diciendo que los encontró por casualidad en una disquería perdida durante uno de sus viajes por el Báltico, porque seguramente alquien le preguntará: "¿Uau, de dónde los sacaste?".

Espero contribuir a que los muchachos de Ne Zhdali consigan más adeptos en el ispa argento, lo merecen. Aquí está su website.

Notita: Los álbums están ofrecidos en carpetas tema por tema, así que hay que bajarlos de a uno (al menos yo no logré hacerlo de otra forma). Vamos, es un esfuercito minúsculo y vale la pena.

Rhinoceroses and other forms of life
Hey Driver Cool Down The Horses
Whatever Happens, Twist
Pollo d’Oro
Live Rarities Vol.1
Tokyo, Nov.25, 1998

Si se quedaron con ganas de más: aquí está toda la discografía que ofrecen.

Servicios a la comunidad: The Jack Celliers’ Japanese Experience (o algo así)

2009-05-05T02:20:00.005+02:00

- Haceme un CD para el auto, dale.

La petición de mi dama fue esa, así que armé un compilado japonés. Apto para rodados diversos, mp3 players, ocio laboral, sofá; y por supuesto como oportuno cohesionador social: fiestas y reuniones de amigos o personas seducibles que suben a nuestro auto, a quienes interesaremos de inmediato gastando actitud cool y comentando las bandas en tono estrictamente casual, mostrándonos como personas sofisticadas y bla bla. La forma más cool de ser cool es la que no cuesta un mango.

1) Pappaya – Ego Wrappin’ (Night Food, 2002): Empezamos con esta banda de Osaka que hace lo que llamaríamos J-Jazz aunque también manufacturan joyitas pop. Si alguna vez escucharon una compilación de Saint Germain de prés Café, o alguno de esos grupos Nu-Jazz europeos, olvídenlos. Bueno, OK: no los olviden pero a mí me parece que esto es aún más interesante. Sugiero atención para la vocalista Yoshie Nanako (casi todas las vocalistas femeninas impostan la voz, y casi todas suenan irritantemente iguales; ella no) así como para la facilidad con la que este dueto maneja las claves estilísticas del mejor jazz tradicional (cosa poco frecuente en el nu-jazz). Uno los escucha y se da cuenta de dos cosas que no son contradictorias: esta gente se divierte y al mismo tiempo demuestra (acusada caracteristica japonesa) una cuidadísima producción y un profesionalismo de fierro.

2) Rabbit War – Ali Project (Classics, 2001): Temazo disco. Ya presentamos a la banda en este post; han hecho cualquier cantidad de discos tocando varios estilos, principalmente una especie de pop barroco con ocasionales influencias étnicas, aunque esto es una muestra de su versatilidad: un verdadero caño de tema dentro de un género –el disco– en el que hay demasiado gas. Notable la cantidad de recursos y guiños que se pueden ensamblar en una sola canción que no deja tener quieta la cabecita.

3) And Surface Runoff – Motoro Faam (...and Water Cycles, 2007): Bajamos un cambio... varios cambios. Esta gente hace un sonido experimental en el que mezclan atmósferas electrónicas con melodías de piano muy bellas. Es verdad: pueden sonar un poco new age, pero están muy lejos del sentimentalismo pavitonto. El álbum al que pertenece este tema hace referencia a los ciclos del agua. Es para relajarse e imaginarse la lluvia, pero no en Corrientes y Esmeralda, claro, sino en algún lugar así, tranqui, fresquito y extrañamente electrónico.

4) Tank! – Yoko Kanno & The Seatbelts (Cowboy Bebop OST - Limited Edition Boxed Set, 2004): Otro desafío a quedarse quieto. Genial banda de sonido de la serie manga Cowboy Bebop. No soy muy amigo del manga, aunque hay algunos interesantes. Como sea: la banda de sonido es fantástica y esta versión en vivo de la edición limitada me parece aún mejor que el original en estudio. Yoko Kanno es una compositora e instrumentista que no se priva de nada: jazz, blues, baladas acústicas, rock, funk y experimental, y todo muy rico.

5) Senaka – Asa-Chang & Junray (Senaka EP, 2004): Este tema se presentó en este post, y lo puse aquí simplemente porque queda bien, vuelve a bajar un cambio, nos sumerge en un estilo más atmosférico y experimental. Y además estoy enamorado de esta canción.

6) Passion – Yoshida Brothers (Yoshida Brothers III, 2006): Escuchando este album con mi dama dimos un respingo cuando oímos... bueno, ya lo van a oír ustedes. Ahí nos dimos cuenta. Estos hermanos tocan un estilo de música japonesa tradicional llamado Tsugaru-Shamisen en el que predomina, previsiblemente, el shamizén. Parece que se cansaron de tocar sólo eso así que llevan el estilo a estos extremos que se aprecian en la canción. La ondulación sonora de las cuerdas del shamizén es muy sofisticada y provoca deslizmientos evocativos (digo yo, como podría decir cualquier cosa) Volviendo al tema: ¿alguien ubica quién es el que se manda el comentario en medio de la canción?

7) Wataridori – Cornelius (Sensuous, 2006): Whaaaaaaaa... Sube, sube, sube. Me encanta esa cuerda del fondo que exagera un sonido ondulante y envolvente. Cornelius es un músico experimental, la mayoría de sus temas juegan con silencios, efectos y palabras, pero siempre juega al borde: introduce oportunamente melodías electropop muy fáciles para llevarnos de la mano hasta el próximo abismo: poing, hep! Whhhhhaaaaaaaa...

8) Jet Mogura – ex-Girl (Big when far, small when close, 2000): Tour de force vocal. ex-Girl son un trío de chicas muy carismáticas. Sus shows son muy raros y si uno ve los trajes que usan y los delirios que plantean (dicen venir del planeta Kero... cosas así) no se las tomaría en serio. Sin embargo detrás de toda la pavada hay unas vocalistas de puta madre que se animaron a hacer un álbum casi sin instrumentos con unas demostraciones vocales bastante operísticas. Este tema es una muestra.

9) Infinity Street Car – Tipographica (Tipographica, 1993): Escuchen esto y díganme qué es. A mí me suena a un jazz latino medio retorcido aunque elegante... francamente no tengo idea, pero me encantan esas subidas y bajadas. Tipographica es un grupo de free jazz bastante delirante con algunos guiños estilísticos rockeros que hacen unos arreglos rarísimos e incurren en frankzappismos varios. Algunas veces se ponen insoportables y dan ganas de decirles: “flaco, BASTA”, pero otras ofrecen joyitas como esta.

10) Cyber Devils – Ali Project (Psychedelic Insanity, 2007): Volvemos con algo de estos muchachos, y aquí disfrutamos de la vocalista (de su voz solamente, ejem) en un tema más típico de A.P. con un inquietante estribillo, así, cabalgante y paganoide.

11) Toh-Sui – DJ Krush & Toshinori Kondo (Ki-Oku, 1998): Relax again, baby. Lounge music, smooth jazz, trip-hop… campo fértil para sandeces varias y CDs que se venden en estaciones de servicio al lado de los chicles. Pero lo que tienen aquí, amiguitos, es la posta post. Escuchen esos arreglos: no, no se trata del inepto soplidito de Kenny J (“Boluda, ¡me compré el de Queni Shi!”), ni saxitos melosos ni funky para vender helados. Esto es lo que el lounge debe ser: discreto y canchero. DJ Krush es un productor y DJ que en esta oportunidad se unió a Toshinori Kondo, un trompetista jazzero de puta madre que lleva recorrido desde Dizzy Gillespie hasta el free jazz y la electrónica . Juntos se mandaron un album que es im-pres-cin-di-ble, Monona, y si no lo tenés no existís.

12) Big noise from Winnetka-Kuroari no marching band – Ego Wrappin’ (Night Food, 2002): Y volvemos a acelerar. Este jazzete fue grabado por Bob Haggart en 1938 (los vientos del principio me hicieron acordar a Summertime) y se han hecho de él varias versiones. Ego Wrappin’ hace aquí una mezcla deliciosa en japonés (¡supongo!) y le da y le da y le da...

13) Kana – Asa-Chang & Junray (Kana EP, 2004): Otra mezcla redonda y sutil de estos genios. Una lenta armónica blusera se funde con una melancolía que viene del otro lado del planeta. La voz es tan expresiva que a veces me parece que entiendo lo que dice. Lo que quiere decir. Bah, no sé.

14) Future Umbrella – Shugo Tokumaru (Exit, 2008): Pequeña joyita naive, esta canción es un paseo. El autor es intrumentista, cantor y compositor; varios de sus arreglos y melodías recuerdan viejas canciones de los ’60. Está a un paso de ser música para dibujos animados, y por ahí lo es, pero de unos dibujos animados muy bellos.

15) Birdland #3 – Takagi Masakatsu (Coieda, 2004): Artista plástico y músico experimental japonés, muy afecto a los ruidillos electrónicos pero que en esta ocasión ejecuta una bella pieza de piano despojada de arreglos tecnosos que nos recuerda lo importante que es... respirar.

16) Silk Road – Magical Power Mako (Super Record, 1975): La fusión “étnica” ya existía en los ’70. MPM (Makoto Kurita es su nombre) es otro de estos japoneses versátiles que siguió haciendo discos hasta el 2004, al menos por lo que conozco de él. Esta pegadiza composición mezcla melodía e instrumentación japonesas con guitarras rockeras y un ritmo marchoso e incansable.

17) Fureai – Zazen Boys (Zazen Boys 4, 2008): Para terminar con adrenalina. El cantante realmente destroza todo, pero la canción es potente y hace buen juego con los alaridos del vocalista. Zazen Boys es una banda de funk-rock-indie japonesa con ciertas actitudes punkosas, pero ojo: la adrenalina no está para disimular ninguna falta de talento, estos pibes ofrecen una ejecución instrumental impecable. Si quieren saber qué corno es ese “Fureai” con el que el vocalista está tan entusiasmado, los invito a ejercitar la perplejidad y a saber algo de lo que ocurre allá lejos, que al fin y al cabo somos del mismo planeta.

Disfrutenlón!

Pueden bajar ambas partes del compilado aquí y aquí.

Asa-Chang & Junray

2009-04-22T05:01:00.014+02:00

Bien, ahora basta de concesiones. En nuestra sección "maltratando al cybernauta" vamos a proponer algo bien denso: música experimental de fusión tradicional japonesa-electrónica ¡Ja!

Entiendo la alarma: uno lee "experimental" y le viene a la mente la palabra con la que Macedonio destruyó a Lugones: "soniditos". Un apagado "clong", una especie de "pannngg", algo que suena como "swiishhhh"... (silencio de cuatro segundos interminables)... un gritito... otro gritito... Chau, tirá eso cemelfavor, quesunemboletotal.

Supongo que todo género moderno sufre de lo mismo: el asalto de montones de chantas. Y así se hace engorroso encontrar el talento entre tanta pavada.

Me atrevo a dar ciertas garantías: Asa-Chang & Junray son uno de los grupos J-xperimental que más me gustan, si no el que más ¿Qué hacen? No sé, pero lo hacen con una delicadeza que vuela la tapa de los sesos. Una melodía de cuerdas nos lleva volando... y nos suelta en caída libre hasta que en el medio de la nada somos rescatados por una voz que repite sílabas de una manera queda, pero extrañamente expresiva. Un ritmo absolutamente irregular, marcado por una tabla que debería sonar irritante, excéntrica... pero que no nos molesta en absoluto porque cae exactamente allí donde la esperábamos. Asa-Chang & Junray juegan mucho con la vocalización rítmica y las atmósferas, el drumbeat y el sampling están utilizados con una precisa discreción que los convierte en detalles disfrutables de la música en vez de las previsibles electroparodias que sufre cualquier género no electrónico.

He subido de ellos una de las canciones más bellas que he oído: Senaka, del EP homónimo (2004), cantada por la actriz y cantante Kyoko Koizumi, que tiene una voz tan real que parece falsa.

Recomendación: Ciertas cosas hay que paladearlas en condiciones si se las quiere apreciar. A Kylie Minogue (que no está nada mal tampoco) (su música quiero decir) (tampoco ella, claro) la podemos escuchar en la oficina mientras completamos una hoja de cálculo, o mientras contestamos un mail en un cyber. Pero yo sugiero que a esto se le preste una atención más reposada, cinco minutos bien invertidos en la paz del sofá (que Cioran llamaba ese gran promotor de nuestra "alma"). No es una cuestión reverencial sino de simple eficacia: algunas canciones quedan muy bien en el auricular con un fondo de caño de escape mientras apuramos el paso por el asfalto; en cambio esta es de las cosas que se lleva mejor con el silencio.

Bájenlo de aquí y disfrútenlo con humo o café o té... o lo que sea.

Ali Project

2009-04-19T00:56:00.009+02:00

De mi pasión niponófila, una muestra.

Lo interesante sería no ver el video sino escuchar el tema nomás, pero confío en que harán el experimento, o al menos tendrán en cuenta que lo que tienen frente a los ojos no es tan importante como esa canción tan... extraña, esas escalas triunfales que preceden (o anteceden, ya ni sé) unas ejecuciones vocales repetitivas y llenas de medios tonos que le dan un efecto pagano. Creo que no es dificil engancharse con esto:

Me parece que esto es un pop barroco y decadentista, permitámosnos el pequeño entretenimiento perverso de los géneros y estilos. Por lo demás, soy muy torpe para describir una música.

OK, es pop. Ahora pensemos ¿a qué clase de pop estamos acostumbrados? Luego de esto Britney Spears y La Renga son más o menos lo mismo (siendo La Renga mucho menos pretencioso, ergo más auténtico). El cuidado puesto en la escena y el tour de force que representa sostener esas notas (¡y caminando sobre esos tacos!) ya marcan cierta diferencia. La vocalista sabe ser provocativa sin necesidad de proezas contorsivas ni de parecer una niñita oligo. En fin, que me parece que puede gustar más o menos pero indudablemente si uno dice: "Ok, quiero pop, decadente, sensual, que me haga sentir un estremecimiento y me haga soñar cualquier cosa", creo que es preferible saborear este caramelo que resignarse otra vez a la enésima vocecita nasal que pasan por la radio. Si vamos a ser frívolos, que valga la pena.

¿Quiénes son estos?

La formación básica es un dueto, se llaman Ali Project y son uno de los muchos tesoros creo que desconocidos de la música japonesa. Desconocidos para nosotros bárbaros occidentales, porque esta gente tiene editados ya varios discos de los que pienso ir tirando algunas cositas por aquí.

Ali Project suena siempre así, no lo crean. A veces sí. Otras hacen impresionantes temas disco, o melodías de una ingenuidad rayana en lo infantil; otras veces los violines juegan de maneras más clásicas... pero siempre presentan una instrumentación tan cuidadosa que parece irreal, de juguete, fascinante.

Si algo me gusta de los japos -y esto es algo sobre lo que volveré, veo que voy a meter muchas cosas japonesas aquí- es la manera como interpretan la música occidental. La cultura japonesa demuestra una formidable capacidad imitativa, imitación que está lejos de ser servil. Los japoneses tienen la sutil virtud de mejorar cualquier cosa, y a veces es hasta un poco... inquietante (¿sutilmente irritante?) esa facilidad que demuestran en encontrar las claves de cualquier cosa, como si te dijeran: "¿Cultura occidental? Seguro, se hace así:..." y ahí se mandan un jazz, un tango, un pasodoble o un carnavalito, todos perfectos.

Si buscan con ahinco, en la red se puede encontrar material de esta gente. Me permito recomendarlo, como siempre, como medio de impresionar a las visitas, ocasionales levantes o momentos de romance frenético.

¡Lo último en tendencias!

2009-04-12T21:03:00.008+02:00

I – Vamos a ver... La mejor manera de empezar este post seria bajarse esto y escucharlo. Es sólo un tema, ergo cortito.

II – Bien, lo que acaban de escuchar es –no hace falta decirlo– una creación tecno-minimalista de un grupo holando-singapurense que está haciendo furor ahora mismo en Ibiza con un estilo de vanguardia experimental de alta tecnología que...

III – Olviden lo anterior, era simplemente un verso violento para demostrar lo fácil que es escribir en cualquier revista de papel satinado. La realidad es mucho menos pedante y más interesante: el tema que acaban de escuchar es del año... 1959. Su autor: un tipo peculiar que se llamaba Raymond Scott, y de cuyo nacimiento se cumplieron 100 años en 2008.

El amigo Raymond se llamaba en realidad Harry Warnow, pero eso importa poco. Nació en Brooklyn, hijo de inmigrantes judíos rusos, y se lo puede considerar uno de los padres de la música electrónica. Algunas de sus composiciones fueron adaptadas para historietas como Bugs Bunny o el Pato Lucas, mientras que obras suyas originales fueron utilizadas en Ren & Stimpy (como ven: pop culture al día). De todas formas a él esto le interesaba poco.

Raymond Scott era un ingeniero de sonido casi exclusivamente interesado en la experimentación, tanto que creó este moderrrrrno aparato: el Electronium, según sus palabras: instantaneous composition-performance machine. La obra que escuchamos fue creada con este aparatejo, y se llama "Cindy Electronium" (Raymond Scott - 1959).

Existe un álbum doble con diversos trabajos suyos (Manhattan Research Inc. - 2000) de los '50 y '60, algunos de ellos pueden escucharse en comerciales y todos son experimentos musicales dignos de atención, algunos sorprendentemente avant la lettre, otros raros y también ingenuos, pero disfrutables con un poco de tiempo.

Este trabajo no fue muy apreciado por artistas de su época, y por ota parte aunque estuvo vinculado con el jazz en cierta etapa de su vida parece que el hombre se sentía más cómodo en compañía de técnicos que de músicos. Murió no hace tanto, con muy pocos mangos en el bolsillo y sin que se le reconociera ni una fracción de su talento. Un buen ejemplo de que en estas condiciones la creatividad está menos recompensada que la capacidad de venderse.

Es realmente peliagudo determinar el "valor musical" de una obra, al menos para mí que de música no sé nada. Pero estoy más seguro de que conocer cosas como estas brinda el placer de rastrear tendencias y chusmear curiosidades. Más que suficiente.